Sally: O Documentário que Mostra Como a Primeira Mulher Americana no Espaço Teve de Esconder Quem Era

Entre o machismo da NASA e o silêncio imposto pela homofobia, o novo documentário da Disney+ revela a coragem íntima de Sally Ride — pioneira no espaço e na vida

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Em 1983, milhões de olhos seguiram o lançamento do vaivém espacial Challenger, com um detalhe histórico: entre os astronautas estava, pela primeira vez, uma mulher norte-americana. Sally Ride, física brilhante e reservada, foi catapultada para o estrelato como símbolo de progresso e inspiração para uma geração de jovens raparigas. Mas o que não se sabia — e o novo documentário Sally revela com crueza e ternura — é que por trás do sorriso público estava uma luta silenciosa contra o machismo institucional… e a homofobia.

O filme, que se estreia a 17 de Junho no Disney+ Portugal, chega num momento de particular tensão política e cultural. Realizado por Cristina Costantini (Mucho Mucho Amor), Sally é uma homenagem sentida e necessária à coragem em todas as suas formas — e a um tipo de heroína que a História tantas vezes silenciou.

“Fiz este filme para quem já teve de esconder parte de si”

Em entrevista à agência Lusa, Cristina Costantini não esconde a motivação pessoal por trás do projecto: “Fiz este filme para qualquer pessoa que já teve de esconder ou mudar parte de si para seguir os seus sonhos.” E completa: “Penso que essa é, tristemente, uma experiência mais relevante que nunca em 2025.”

Mais do que um simples retrato biográfico, Sally mergulha fundo nas contradições da era em que a NASA finalmente abriu as portas às mulheres… mas ainda não estava preparada para as receber como iguais. A agência chegou ao ponto de preparar um “kit de maquilhagem espacial” e questionar se 100 tampões seriam suficientes para seis dias no espaço — enquanto os media perguntavam se Sally ia chorar em órbita.

E, no entanto, sob essa pressão, Ride destacou-se. Brilhante, discreta, profissional ao mais alto nível. E ainda assim, durante toda a sua vida, escondeu uma parte essencial de si: a sua relação com Tam O’Shaughnessy, companheira durante 27 anos.

Uma vida dividida entre a ciência e o silêncio

Sally Ride morreu em 2012, vítima de cancro, aos 61 anos. Foi apenas no seu obituário que o mundo soube que deixava uma parceira. Até então, apenas familiares e amigos próximos sabiam da sua orientação sexual. Foi Tam quem insistiu que a verdade fosse finalmente dita — porque, como afirma no documentário, “a história não estava completa”.

O filme dá palco a Tam O’Shaughnessy, que partilha memórias íntimas, momentos de cumplicidade e frustrações silenciosas. Quando Barack Obama distinguiu Sally Ride com a Medalha Presidencial da Liberdade, foi Tam quem a recebeu. Três anos depois, o casamento entre pessoas do mesmo sexo foi legalizado nos EUA. Mas Tam, hoje, está menos optimista.

“É uma batalha humana permanente e temos de continuar a esforçar-nos pelos valores que são importantes”, afirma, lembrando os recentes retrocessos nos direitos LGBT, tanto nos EUA como noutros países. “É um momento horrível e assustador”.

Quando até a bandeira do arco-íris incomoda

O contexto de Sally tornou-se involuntariamente profético. A realizadora começou a trabalhar com o canal National Geographic e a produtora Story Syndicate sem imaginar que o lançamento coincidiria com ataques directos às políticas de diversidade e inclusão. A própria NASA foi recentemente forçada a remover bandeiras do Orgulho Gay das suas instalações.

“Não fazíamos ideia de que seria lançado num momento em que a DEI está sob ataque”, lamenta Cristina. Mas talvez por isso mesmo, o documentário se torne ainda mais urgente.

Foi ao descobrir que Sally teve uma parceira que a realizadora sentiu o clique criativo: “Pensei: Se a NASA mal estava preparada para mulheres, como terá sido amar uma mulher naquele ambiente?”

Precisamos de mais Sallys. E de mais Tams.

Sally não é apenas um tributo à primeira mulher americana no espaço. É um lembrete do preço que tantas pessoas pagaram — e ainda pagam — por serem quem são. E é, acima de tudo, uma história de amor, de resiliência, e de esperança.

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A estreia está marcada para 17 de Junho no Disney+ e 21 de Junho no canal National Geographic. Se há um momento para conhecer esta história, é agora.

Maria de Medeiros Triunfa no México: Festival de Guadalajara Rende-se ao Talento Português

A 40.ª edição do Festival Internacional de Cinema de Guadalajara terminou em festa com uma homenagem à carreira da atriz e realizadora portuguesa

Foi um fim de festa em grande para o cinema português no México. A 40.ª edição do Festival Internacional de Cinema de Guadalajara encerrou com um momento especial: a entrega do prémio Homenagem a Convidada de Honra a Maria de Medeiros, figura incontornável do nosso cinema e presença marcante em produções internacionais como Pulp Fiction e Henry & June.

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No discurso emocionado, durante a cerimónia de encerramento no passado sábado, a atriz e realizadora sublinhou o carinho que sente pelo país anfitrião: “O México é uma grande nação de cultura, arte e cinema, e é uma referência. Todos os maravilhosos realizadores mexicanos que continuam a contribuir com uma criatividade extraordinária para o cinema mundial — o facto de este cinema se inspirar no cinema português é algo que nos comove profundamente”.

Maria de Medeiros, que filmou no México Duas Fridas e finalizou lá a pós-produção de Aos Nossos Filhos, fez questão de destacar as boas vibrações que sente sempre que pisa solo mexicano — um amor claramente correspondido.

Portugal em Destaque: Uma Seleção de Luxo do Nosso Cinema

A presença portuguesa em Guadalajara não se ficou apenas pela homenagem a Maria de Medeiros. Portugal foi o país convidado desta edição e fez-se representar com mais de 30 filmes — uma verdadeira montra da riqueza cinematográfica nacional, da memória histórica às vozes mais arrojadas da contemporaneidade.

Foram exibidas obras emblemáticas como Silvestre, de João César Monteiro, protagonizado por Maria de Medeiros, e Capitães de Abril, que a própria realizou. Mas o programa especial foi ainda mais fundo, com uma seleção que atravessou décadas e estilos: A Fábrica de Nada (Pedro Pinho), Trás-os-Montes (António Reis e Margarida Cordeiro), Maria do Mar(Leitão de Barros), A Noite (Regina Pessoa) ou As Fado Bicha (Justine Lemahieu), entre muitos outros títulos.

Pedro Costa, Manoel de Oliveira e José Álvaro Morais também marcaram presença nesta viagem ao cinema português, aclamada por críticos e espectadores.

Competição Ibérica: Documentários, Ficção e Narrativas LGBTQIA+

Na competição de melhor longa-metragem documental ibero-americana, A Savana e a Montanha, de Paulo Carneiro, destacou-se pelo seu olhar sobre a resistência da comunidade de Covas do Barroso à mineração de lítio. Ainda assim, o prémio foi para Tardes de solidão, do espanhol Albert Serra, uma produção coproduzida por Portugal que mergulha no mundo da tauromaquia.

Outras produções com carimbo português também estiveram em destaque: Ouro Negro, de Takashi Sugimoto, filmado na Índia com produção da Uma Pedra no Sapato, e La memoria de las mariposas, da peruana Tatiana Fuentes Sadowski, com coprodução da Oublaum Filmes, concorreram na secção de cinema socio-ambiental.

Na ficção, Sonhar com Leões, comédia negra de Paolo Marinou-Blanco sobre a eutanásia, marcou presença na competição oficial, enquanto Duas vezes João Liberada, de Paula Tomás Marques, concorreu ao Prémio Maguey, dedicado ao cinema LGBTQIA+, com uma história provocadora sobre identidade e perseguição na época da Inquisição.

Tapete Voador e Ice Merchants: A Animação Também Levou Portugal ao México

No campo da animação, Portugal não ficou atrás. Os demónios do meu avô, de Nuno Beato, encantou o público e ganhou ainda mais destaque com a exposição dos bonecos em miniatura usados na técnica de stop-motion. A isto juntou-se uma masterclasse do realizador João Gonzalez, autor do aclamado Ice Merchants, que partilhou bastidores e processos criativos com uma plateia entusiasmada.

Ainda nas curtas-metragens, Tapete Voador, de Justin Amorim, abordou com coragem e crueza o maior escândalo de pedofilia institucionalizada em Portugal, e Two Ships, do norte-americano McKinley Benson com coprodução da portuguesa Cola Animation, foi candidato ao prémio de melhor curta de animação.

Um Festival com Alma Portuguesa

O Festival Internacional de Cinema de Guadalajara mostrou ao mundo o que de melhor se faz em Portugal. Mais do que uma celebração do passado e presente de figuras como Maria de Medeiros, foi uma afirmação de identidade, diversidade e criatividade. E se havia dúvidas sobre o impacto do cinema português além-fronteiras, Guadalajara dissipou-as todas — com o calor de uma ovação e o brilho de um prémio merecido.

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Jacinda Ardern Vira Documentário: Quando Liderar com Empatia é um Acto Revolucionário

Prime Minister retrata os bastidores da liderança da ex-primeira-ministra da Nova Zelândia com uma humanidade raramente vista em documentários políticos

Há líderes que marcam uma geração. E há documentários que nos lembram porquê. Prime Minister, dos realizadores Michelle Walshe e Lindsay Utz, oferece-nos um olhar íntimo, corajoso e profundamente humano sobre os cinco anos de liderança de Jacinda Ardern, a ex-primeira-ministra da Nova Zelândia que encantou o mundo pela sua coragem, empatia e autenticidade — tudo isso enquanto se estreava simultaneamente na política de alto nível… e na maternidade.

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Ao contrário da maioria dos documentários políticos, que preferem os bastidores de campanhas e os slogans de última hora, Prime Minister mostra aquilo que raramente se vê: o peso real de governar, dia após dia, com decisões que afectam milhões — e uma bebé nos braços.

De Primeira-Ministra a Mãe de Neve: A Vida Pessoal Mistura-se com a Política

Jacinda Ardern subiu ao poder em 2017, com apenas 37 anos, após uma reviravolta improvável nas eleições. Em poucos meses, passou de líder da oposição a chefe de governo, liderando uma coligação minoritária que surpreendeu a Nova Zelândia — e o mundo.

A câmara acompanhou cada passo, muitas vezes através das lentes de alguém muito especial: o parceiro (agora marido) Clarke Gayford, um dos operadores de câmara e entrevistadores mais ternurentos do filme. A sua hesitação natural diante das perguntas difíceis (sobretudo quando a entrevistada é a sua companheira acabada de sair de uma reunião tensa) confere ao documentário uma camada de afecto raramente vista em retratos políticos.

Neve, a filha do casal, é presença recorrente e adorável. E a forma como o filme alterna entre a dureza do cargo e a suavidade da vida familiar é uma das suas maiores forças — desafiando os preconceitos que Jacinda enfrentou ao longo do mandato. Governar e ser mãe? Para Ardern, uma coisa fortalece a outra.

O Estilo Ardern: Coração, Humor e Lei

Prime Minister não perde tempo com tecnicalidades legislativas ou debates parlamentares — mas deixa bem claro o impacto da sua governação. Ardern foi incisiva na defesa do direito à interrupção voluntária da gravidez, fez avançar legislação climática relevante e liderou com firmeza emocional após os atentados de Christchurch, onde morreram 51 pessoas em 2019. Numa mistura de luto e acção, retirou armas de assalto das ruas da Nova Zelândia — num gesto que os EUA ainda invejam.

É impossível não recordar a sua graça em entrevistas internacionais (quem mais brilha com tanto à-vontade no The Late Show de Stephen Colbert?) ou a sua expressão de cansaço disfarçada por um sorriso tranquilo após mais uma noite sem dormir com a filha.

Mas o documentário não oculta as sombras: as ameaças, os protestos alimentados por desinformação importada dos EUA, e a pressão insustentável que a levou a abdicar do cargo em 2023. Ardern escolheu a sanidade em vez do poder. E esse gesto — tal como tantos outros — revelou a sua fibra.

Um Retrato Incomum Numa Época de Líderes Descartáveis

Prime Minister é mais do que uma biografia: é um manifesto de liderança com valores, num tempo em que o cinismo e o populismo parecem triunfar. Ardern é mostrada como alguém vulnerável, real, por vezes assustada, mas sempre orientada pelo bem comum. A sua sensibilidade é a sua maior arma. E o filme não tem medo de mostrar que sim, isso também é força.

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Ao sair da sala (ou desligar o ecrã), o espectador não só se emociona — sente-se inspirado. Porque, num mundo onde os megalómanos parecem multiplicar-se como cogumelos em solo húmido, Prime Minister relembra-nos de que é possível liderar com empatia. E que talvez — só talvez — o futuro ainda possa estar nas mãos de pessoas como Jacinda Ardern.

🎯 Ballerina Não É o Tiro Certo: O Universo John Wick Está a Perder o Norte?

Ana de Armas brilha, mas o spinoff deixa mais dúvidas do que certezas. Estará o mundo de John Wick a afundar-se sob o peso da sua própria expansão?

Três semanas após a sua estreia mundial, Ballerina confirma os receios de muitos fãs: o universo John Wick começa a ceder. Embora visualmente competente e com uma protagonista carismática, o filme acaba por desorientar-se na cronologia, perde força na bilheteira e, pior que tudo, dilui aquilo que tornava John Wick… John Wick.

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Uma assassina em pontas — mas tropeça na narrativa

Ballerina situa-se entre os eventos de John Wick: Capítulo 3 – Implacável e John Wick: Capítulo 4. Seguimos Eve Macarro (Ana de Armas), uma bailarina treinada pela Ruska Roma, numa busca por vingança contra os assassinos do seu pai — ao mesmo tempo que tenta cortar os laços com a sua família adoptiva de matadores.

O conceito parece promissor: mais uma peça do quebra-cabeças do submundo que John Wick tão bem nos apresentou. Mas o que poderia ter sido uma expansão sólida transforma-se rapidamente num problema de continuidade. E isso não se resolve com piruetas bem filmadas ou sequências coreografadas com precisão.

A aparição de John Wick… é o verdadeiro tropeço

Desde cedo, o marketing fez questão de martelar a presença de Keanu Reeves como grande trunfo de Ballerina. E sim, ele aparece. Mas essa escolha destrói a coerência interna da narrativa.

Para quem se lembra: no final de Capítulo 3, Wick está às portas da morte e recolhe-se aos túneis de Nova Iorque com o Bowery King. Passam seis meses até ao início de Capítulo 4. Ora, Ballerina decorre dois meses após Capítulo 3, e apresenta-nos um John Wick misteriosamente activo, a circular livremente, envolvido com a Ruska Roma — grupo ao qual, segundo Capítulo 4, ele ainda terá de pedir readmissão.

Em termos de continuidade, isto é mais do que uma falha: é uma sabotagem à própria mitologia da saga. Ao tentar manter viva a presença de Keanu Reeves, o filme atropela a cronologia e mina a construção narrativa dos capítulos principais.

Multiplicar Wicks não é estratégia — é cansaço

Quando John Wick chegou às salas em 2014, o protagonista destacava-se como um mito solitário num mundo de vilões banais. Agora, temos uma galeria de assassinos igualmente carismáticos e letais: Caine, Mr. Nobody, Sofia… e agora Eve. Todos são “quase-Wicks”.

Mas este excesso de figuras com o mesmo perfil — assassinos silenciosos em luto, letais, com códigos próprios — está a desgastar a aura de exclusividade de John Wick. Eve não tem culpa: Ana de Armas está em excelente forma, tanto física como dramática. O problema é estrutural. A saga começa a parecer uma fábrica de personagens com molde pré-definido.

E quanto mais se tenta repetir a fórmula, menos impacto ela tem.

Bilheteira modesta, sinal de alarme

Apesar das boas críticas iniciais (CinemaScore A-, 87 % de aprovação no PostTrak), Ballerina abriu com apenas 25 milhões de dólares no mercado norte-americano. Um número que, face ao orçamento de 90 milhões, é preocupante.

A título de comparação:

  • John Wick 4 abriu com 73,8 milhões
  • John Wick 3 com 56 milhões
  • John Wick 2 com 30 milhões

Mesmo considerando o crescimento internacional (51 milhões mundiais até ao momento), Ballerina está longe de se afirmar como um sucesso. E isto levanta uma questão inquietante: será que o público só se interessa por este universo quando é Keanu Reeves quem carrega a pistola?

O que nos diz Ballerina sobre o futuro da franquia?

Com John Wick 5 já em desenvolvimento e um spinoff centrado em Caine a caminho, a Lionsgate está a tentar esticar a corda ao máximo. Mas Ballerina mostrou que o público talvez já esteja satisfeito com o desfecho do Capítulo 4. E qualquer tentativa de “ressuscitar” Wick ou prolongar-lhe a lenda pode acabar por manchar aquilo que foi um final digno.

Há espaço para expandir este universo? Talvez. Mas será preciso mais criatividade e, acima de tudo, mais respeito pela narrativa que se construiu até aqui.

Onde ver “Ballerina”

  • Portugal: em exibição nos cinemas desde 6 de Junho de 2025. Disponibilização digital prevista para Amazon Prime Video até final de Julho.
  • Brasil: estreou a 6 de Junho de 2025, disponível brevemente no Amazon Prime Video Brasil.
  • Blu-ray (importado): já disponível na Amazon EUA

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Ballerina é um filme com estilo, alguma alma… mas sem chão. O que era para ser um passo seguro no futuro do universo John Wick tornou-se num tropeção narrativo. A coreografia está lá, os tiros também. Mas sem uma história sólida, e sem um herói verdadeiramente novo, tudo soa a eco. E como qualquer bailarino sabe, por vezes o silêncio entre os passos diz mais do que o ruído das botas a bater no palco.

“Batman Begins”: O Recomeço Sombrio Que Mudou o Cinema de Super-Heróis Para Sempre

O primeiro filme da trilogia de Christopher Nolan não foi um sucesso imediato de bilheteira — mas tornou-se o ponto de viragem de uma era

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Hoje, parece impensável: um filme do Batman realizado por Christopher Nolan, com Christian Bale no papel principal, Morgan Freeman, Michael Caine e Gary Oldman no elenco, e mesmo assim… um arranque tímido nas bilheteiras. Mas foi precisamente isso que aconteceu com Batman Begins, lançado em 2005. E vinte anos depois, vale a pena revisitar a história do filme que reinventou o Cavaleiro das Trevas — e reescreveu as regras do cinema de super-heróis.

Do Caos de “Batman & Robin” à Visão de Nolan

Em 2003, a ideia de um Batman “realista” parecia quase heresia. Estávamos apenas seis anos afastados do desastre que foi Batman & Robin, com George Clooney, piadas congelantes do Mr. Freeze e, claro, os infames mamilos na armadura. Foi nesse contexto que a Warner Bros. anunciou que Christopher Nolan, autor dos aclamados mas discretos Memento e Insomnia, iria liderar um novo reboot da saga.

Nolan via Batman como o mais “credível e realista” dos super-heróis. Sem superpoderes, sem magia — apenas trauma, treino e vontade férrea. Para dar forma à sua visão, chamou David S. Goyer (argumentista de Blade) e mergulhou fundo na psique de Bruce Wayne. O objectivo: voltar ao princípio e mostrar como um homem se transforma em símbolo.

Uma Origem Densa, Um Elenco de Luxo

Batman Begins não tem pressa em vestir o fato. O filme acompanha Bruce Wayne na sua jornada pelo Oriente, onde treina com Ra’s al Ghul (Liam Neeson) e aprende os ensinamentos da Liga das Sombras. De regresso a Gotham, mergulha num submundo corrupto e encontra no medo a sua maior arma — nascendo assim o Batman.

Nolan reuniu um elenco impressionante: Christian Bale (que teve de recuperar peso após The Machinist), Michael Caine como Alfred, Gary Oldman como Jim Gordon, Cillian Murphy como o perturbador Espantalho e Morgan Freeman como Lucius Fox. Katie Holmes fechava o núcleo principal.

Mas o foco não estava apenas na acção — estava na humanidade. Nolan queria que sentíssemos o peso da perda, da dúvida, da transformação. Como ele próprio afirmou: “Batman é interessante porque é humano.”

Crítica Sim, Bilheteira… Assim-Assim

O filme estreou a 17 de Junho de 2005, arrecadando $48,7 milhões no primeiro fim-de-semana nos EUA. Nada mau — mas longe do impacto de Spider-Man ou até Batman Forever. No final da sua carreira nas salas, Batman Begins somou $373 milhões a nível mundial, um valor modesto tendo em conta o orçamento de $150 milhões e as expectativas associadas à marca Batman.

Curiosamente, Fantastic Four, da Marvel, superou a estreia de Begins pouco tempo depois, apesar de ser… bem, Fantastic Four. Mas onde Nolan ganhou vantagem foi na crítica e na longevidade: o boca-a-boca foi extremamente positivo e o DVD teve vendas massivas — naquela altura, um factor ainda decisivo.

A Semente de Uma Revolução Cinematográfica

Três anos depois, The Dark Knight não só ultrapassaria a marca dos mil milhões, como redefiniria o que um blockbuster podia ser. E tudo começou com Batman Begins.

O impacto foi imediato em Hollywood. Em 2006, Casino Royale deu-nos um James Bond mais cru e emocional. Em 2012, Skyfall tornou-se o Bond mais lucrativo de sempre. Até produções como Alice in Wonderland, de Tim Burton, abraçaram um tom mais “sério”. E claro, o universo DC posterior — incluindo Man of Steel — bebeu directamente da estética Nolan.

Mas nem tudo correu bem. A obsessão por reboots sombrios também nos deu falhanços como Fantastic Four (2015) e experiências divisivas como Batman v Superman. Copiar o estilo sem entender o conteúdo raramente resulta.

Lições de Um Recomeço

Hoje, com o género de super-heróis em crise de identidade, Batman Begins permanece um exemplo de como um risco calculado pode mudar tudo. Nolan não fez concessões: entregou uma história sólida, coerente, centrada em personagens, que confiava na inteligência do público.

A Warner poderia ter recuado perante os números mornos de 2005. Mas confiou em Nolan. E essa aposta transformou-o num dos realizadores mais respeitados do século XXI, culminando com o fenómeno Oppenheimer, que arrecadou quase mil milhões e o Óscar de Melhor Filme.

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Num momento em que Hollywood parece perdida entre fórmulas e algoritmos, talvez esteja na altura de lembrar: o verdadeiro poder está nas histórias bem contadas, mesmo quando não brilham logo à primeira.