MARS EXPRESS: A Nova Odisseia da Animação Futurista Estreia no Ciclo Night Edition by TVCine

O ciclo Night Edition by TVCine regressa com força em 2025, oferecendo aos fãs de cinema uma oportunidade única de assistir à antestreia de MARS EXPRESS, uma das mais premiadas animações futuristas da atualidade. Realizado por Jérémie Périn, este filme promete transportar o público para uma emocionante jornada pelo ano 2200, onde inteligência artificial, corrupção e ação se cruzam de forma envolvente.

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Uma Animação de Prestígio

Estreado mundialmente no Festival de Cinema de Cannes e no Festival de Animação de Annecy, MARS EXPRESS consolidou-se como uma das produções mais aclamadas do género. A sua passagem pelo MONSTRA – Festival de Animação de Lisboa reforça a conexão do filme com o público português, tornando esta exibição no Cinema Fernando Lopes, em Lisboa, ainda mais especial.

O Enredo: Entre Marte e a Terra

A narrativa segue Aline Ruby, uma detetive privada destemida, e o seu parceiro andróide, Carlos Rivera, numa missão perigosa para capturar uma hacker de renome. Após regressarem a Marte, enfrentam novos desafios ao procurarem Jun Chow, uma estudante de cibernética desaparecida. Ambientado em Noctis, a capital marciana e um símbolo de utopia tecnológica, o filme mergulha em temas como corrupção institucional e os perigos das quintas cerebrais. À medida que a investigação avança, a dupla descobre segredos que podem ameaçar o equilíbrio da sua civilização.

Uma Sessão Imperdível

No dia 4 de janeiro de 2025, pelas 21h30, o Cinema Fernando Lopes acolherá a antestreia de MARS EXPRESS, seguida por uma conversa virtual com o realizador Jérémie Périn, o diretor da MONSTRA Fernando Galrito, e o coletivo Bons Malandros. Será uma oportunidade única para explorar os bastidores desta produção inovadora.

Os bilhetes já estão disponíveis e podem ser adquiridos aqui.

Próximos Destaques do Ciclo Night Edition

Além de MARS EXPRESS, o ciclo Night Edition by TVCine trará outros títulos ambiciosos em 2025:

• Uma Noite com Adela (thriller de Hugo Ruiz): Antestreia a 1 de fevereiro.

• Enea (gangster drama de Pietro Castellitto): Antestreia a 1 de março.

• Sister Midnight (comédia punk feminista de Karan Kandhari): Antestreia a 5 de abril.

Cada filme estreia nos cinemas na quinta-feira seguinte à antestreia e chega aos canais TVCine cerca de um mês depois.

Um Futuro Promissor para o Cinema Alternativo

Com curadoria da Cinema Bold, o ciclo Night Edition reflete o compromisso com produções originais e ousadas, apresentando ao público histórias que desafiam o modelo tradicional de distribuição.

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Não perca a estreia de MARS EXPRESS e os debates enriquecedores que prometem transformar cada sessão numa celebração do cinema. Mais informações disponíveis em tvcine.pt/nightedition.

O Peso do Orçamento em “Andor” e Outras Produções de Star Wars

“Andor” é amplamente celebrado como uma das produções mais brilhantes da franquia Star Wars. A série trouxe complexidade narrativa e profundidade ao universo galáctico, conquistando tanto críticos como fãs. No entanto, o custo estrondoso de 645 milhões de dólares para duas temporadas levanta questões importantes sobre o futuro da franquia e a gestão orçamental da Disney.

O debate sobre se vale a pena investir em produções tão dispendiosas ganhou força recentemente, especialmente com os insucessos de outras séries de Star Wars que, apesar dos orçamentos colossais, não conseguiram justificar o investimento com audiências à altura.

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O Caso “Andor”: Uma Exceção Brilhante

“Andor” destaca-se pela sua abordagem madura e politizada, diferenciando-se de outras produções mais mainstream da franquia. No entanto, a série estreou com audiência inferior à de títulos como The Mandalorian, devido à ausência de personagens icónicos ou apelo imediato. Mesmo assim, a série garantiu uma segunda temporada graças a um acordo prévio. Sem essa decisão antecipada, é provável que “Andor” tivesse sido cancelada devido ao alto custo por episódio e à audiência inicial modesta.

A questão aqui não é a qualidade de Andor, mas sim a sustentabilidade de produções deste género. Por mais que a série tenha sido um triunfo criativo, a Disney não pode ignorar o impacto financeiro, já que investimentos tão elevados comprometem futuros projetos e franquias.

Outras Produções de Star Wars com Orçamentos Exorbitantes

Além de Andor, outros projetos da Disney enfrentaram problemas semelhantes:

• “The Acolyte”: A série pretendia expandir o universo para além da era Skywalker, mergulhando no período da Alta República. Apesar de um custo superior a 200 milhões de dólares, a série foi mal recebida e teve audiência ainda mais baixa do que Andor. O orçamento desnecessariamente elevado tornou improvável qualquer continuidade, deixando a narrativa em aberto.

• “Skeleton Crew”: Esta série, com um orçamento de 136 milhões de dólares, conseguiu destacar-se em termos de qualidade, mas os dados iniciais de audiência sugerem que será uma das séries menos vistas do universo Star Wars. Assim como em The Acolyte, o alto custo pode inviabilizar novas temporadas, apesar do potencial narrativo.

Impacto nas Produções Futuras

A obsessão da Disney por grandes orçamentos, aliados a audiências limitadas, aponta para um problema mais profundo: a incapacidade de alinhar investimentos com expectativas de retorno. Para os fãs, isso significa perder potenciais projetos e a continuidade de séries promissoras.

Por exemplo:

• Séries como Andor, que conquistaram uma base de fãs leal, podem nunca ter a oportunidade de explorar todo o seu potencial devido à necessidade de justificar os custos.

• Outras ideias criativas podem ser canceladas antes de sequer chegarem ao público.

Qual o Caminho a Seguir?

O problema não é a qualidade de produções como Andor, mas a estratégia de alocação de recursos da Disney. Para equilibrar criatividade e sustentabilidade financeira, é essencial:

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1. Reduzir Orçamentos Exorbitantes: Focar em narrativas que não dependam de efeitos visuais ou produções grandiosas para atrair audiências.

2. Apostar em Roteiros Fortes: Tal como Andor demonstrou, um bom enredo pode compensar a ausência de personagens icónicos.

3. Diversificar o Universo Star Wars: Ampliar a franquia com histórias menores e experimentais que não exijam investimentos astronómicos.

4. Estabelecer Metas de Audiência Realistas: Ajustar expectativas com base na escala e no apelo do projeto.

Reflexão Final

O caso de Andor é um exemplo brilhante de como o universo Star Wars pode evoluir, mas também serve como alerta sobre os perigos de gastos excessivos em produções que não conseguem alcançar audiências suficientemente amplas. O equilíbrio entre qualidade narrativa e sustentabilidade financeira será essencial para que a franquia continue a crescer sem comprometer o futuro criativo.

Keanu Reeves Reflete Sobre o Futuro de “John Wick” e o Spinoff “Ballerina”

Keanu Reeves, conhecido por seu desempenho icónico como John Wick, abordou recentemente o futuro da franquia e levantou questões sobre a possibilidade de um quinto filme. Durante uma entrevista ao CBS News para promover o seu papel em Sonic The Hedgehog 3, o ator foi direto: o seu coração está disposto a continuar, mas o corpo, particularmente os joelhos, parece estar a pedir uma pausa.

“Os Meus Joelhos Dizem ‘Não’”

Quando questionado sobre a viabilidade de “John Wick 5”, Reeves brincou, mas com sinceridade:

“Nunca se pode dizer nunca. O meu coração quer, mas os meus joelhos agora dizem ‘Não consigo fazer outro John Wick’.”

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Este comentário reflete as exigências físicas extremas associadas ao papel, que inclui sequências intensas de ação e lutas elaboradas, características marcantes da franquia. Apesar disso, Reeves não fechou a porta a novas possibilidades, deixando os fãs esperançados.

O Regresso em “Ballerina”

Embora o futuro de um quinto filme ainda seja incerto, Keanu Reeves está confirmado para regressar ao papel de John Wick em “Ballerina”, o primeiro spin-off da franquia. Este novo filme, liderado por Ana de Armas, segue a personagem Eve Macarro, uma bailarina treinada como assassina que busca vingança pela morte da sua família.

O filme é ambientado após os eventos de “John Wick: Chapter 3 – Parabellum”, e enquanto o papel de Reeves permanece misterioso, o trailer já confirmou a sua participação. Com o seu regresso, os fãs poderão ver mais uma vez o lendário assassino, ainda que num contexto secundário.

A Evolução do Universo “John Wick”

“Ballerina” é mais um passo na expansão do universo de John Wick. Este spin-off junta-se a outros projetos, como a série “The Continental”, que explora as origens do hotel que serve como refúgio para assassinos. Ao apostar em histórias paralelas, os criadores da franquia mostram o potencial para enriquecer o universo narrativo, mesmo que Reeves reduza o seu envolvimento direto em futuros projetos.

Um Olhar sobre o Passado e o Presente

Desde o seu lançamento, a saga John Wick redefiniu o género de ação, com coreografias elaboradas e uma mitologia rica. A receção de “John Wick: Chapter 4” destacou o equilíbrio entre o espetáculo de ação e a profundidade emocional, consolidando o filme como um dos melhores da série. A crítica de Jesse Hassenger para a NME sublinhou:

“Chapter 4 não exibe o cinismo de uma franquia eterna. Apesar da possibilidade de um Capítulo 5, este filme parece ter dado tudo o que tinha para oferecer.”

O Futuro de Reeves e a Ação

Enquanto pondera o regresso a John Wick, Reeves continua a diversificar a sua carreira. Em “Sonic The Hedgehog 3”, o ator dá voz a Shadow, ao lado de Ben Schwartz, Idris Elba e Jim Carrey. Com o quarto filme da série Sonic já confirmado para 2027, Reeves demonstra que ainda tem muito para oferecer ao cinema, mesmo que em papéis menos físicos.

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Reflexão Final

Embora o futuro de John Wick permaneça em aberto, uma coisa é certa: Keanu Reeves marcou o cinema de ação de forma indelével. Com o spin-off Ballerina no horizonte e outros projetos em desenvolvimento, os fãs terão ainda muitas oportunidades de ver o ator brilhar, seja como assassino letal ou em aventuras animadas.

“Wicked”: Um Filme Radical que Pode Enfrentar Censura no Futuro, Prevê Adam McKay

O realizador e argumentista vencedor do Óscar, Adam McKay, levantou questões inquietantes sobre o impacto cultural e político de “Wicked”, a adaptação cinematográfica do musical da Broadway protagonizada por Cynthia Erivo e Ariana Grande. Na sua análise, McKay descreve a primeira parte da saga como um dos filmes mais radicais já lançados por um grande estúdio de Hollywood, prevendo até a possibilidade de ser banido nos Estados Unidos num futuro próximo.

O Radicalismo de “Wicked”

Lançada num período de crescente polarização política nos EUA, a primeira parte de “Wicked” destaca-se, segundo McKay, pela sua narrativa ousada. Ele descreve o filme como uma reflexão sobre temas como radicalização, carreirismo, fascismo e propaganda, tópicos que ressoam intensamente no clima sociopolítico atual.
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“Está entre os filmes de grande estúdio mais radicais já feitos,” escreveu McKay na rede social X (antigo Twitter). Para o realizador, o contexto de lançamento é tão significativo quanto o próprio enredo. “É impressionante que a parte 1 de ‘Wicked’ seja lançada AGORA, quando a América nunca foi tão de direita e influenciada pela propaganda,” sublinhou.

Apesar de a história ter raízes mais antigas — tanto no livro de Gregory Maguire como no musical original — McKay destaca que o timing do lançamento não deixa de ser pertinente, coincidindo com um momento de tensões políticas e sociais nos Estados Unidos.

Comparações com Clássicos do Cinema Radical

Adam McKay traçou paralelos entre “Wicked” e outros filmes que ele considera radicais, como “A Ponte do Rio Kwai” (1957) e “Música no Coração” (1965). Curiosamente, o realizador também menciona obras mais recentes, como “The Hunger Games – Os Jogos da Fome” (2012), chamando-o de um dos exemplos mais “abertamente de esquerda” lançados por um grande estúdio.

Além disso, McKay referiu títulos menos convencionais, como “Dr. Estranhoamor” (1964) e “Serpico” (1973), conhecidos pelo seu tom crítico em relação às estruturas de poder.

A Possibilidade de Censura

McKay alertou ainda para a possibilidade de “Wicked” enfrentar censura nos EUA, caso o ambiente político continue a caminhar para uma direção mais conservadora. “Se a América continuar a seguir pelo mesmo caminho, não ficaria surpreendido se fosse banido dentro de 3 a 5 anos,” escreveu, referindo-se às mudanças rápidas no cenário político e cultural do país.

Embora admita que tal proibição seria um cenário extremo, McKay realça que a censura de conteúdos “incómodos” não é uma ideia nova, mas algo que ganha força em contextos de crescente autoritarismo.

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“Wicked: For Good” Promete Encerrar a História em 2025

Enquanto o debate em torno da primeira parte continua, a segunda parte da saga já tem data de estreia marcada. Recentemente renomeada “Wicked: For Good”, o filme chegará aos cinemas a 20 de novembro de 2025. Segundo McKay, esta sequência será menos radical e mais centrada no desfecho emocional da história.

O Significado Cultural de “Wicked”

“Wicked” transcende o género de fantasia ao abordar temas políticos e sociais profundos, afirmando-se como um marco cultural no cinema contemporâneo. Ao mesmo tempo, a obra serve como um lembrete do poder do cinema para desafiar normas, provocar reflexão e, em última instância, influenciar a sociedade. Num mundo cada vez mais polarizado, filmes como este tornam-se ainda mais relevantes — e, potencialmente, mais controversos.

Bruce Willis: O Último Herói de Ação e o Adeus a Uma Carreira Icónica

Bruce Willis é um nome incontornável no panteão dos heróis de ação de Hollywood. Com uma carreira que se estendeu por mais de quatro décadas, Willis conquistou o público com o seu carisma, humor sarcástico e talento inegável. Desde os dias de John McClane, o polícia relutante de “Die Hard”, até aos papéis memoráveis em thrillers como “Pulp Fiction” e ficção científica como “O Quinto Elemento”, Willis definiu um estilo único no género de ação que inspirou gerações de atores e cineastas.

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No entanto, o anúncio em 2022 da sua retirada devido a problemas de saúde marcou um momento triste na história do cinema. O diagnóstico de afasia — um distúrbio neurológico que afeta a capacidade de comunicação — trouxe um fim abrupto à carreira de um dos mais amados heróis de ação.

O Ascender de um Ícone

A carreira de Bruce Willis começou na televisão, mas foi com a série “Moonlighting” (Luzes da Ribalta no Brasil / Modelo e Detective em Portugal (1985-1989) que ele ganhou visibilidade, interpretando David Addison, um detetive privado cheio de charme e respostas rápidas. Apesar do sucesso na televisão, foi no grande ecrã que Willis encontrou o seu verdadeiro palco.

O papel de John McClane em “Die Hard” (1988) foi o ponto de viragem. McClane era um herói imperfeito, humano, longe do arquétipo imbatível dos filmes de ação da época. Ele sangrava, tropeçava e lutava com inteligência e resiliência, conquistando o público com a sua vulnerabilidade e frases icónicas como “Yippee-ki-yay, motherfer”*.

O sucesso de “Die Hard” tornou Willis num dos atores mais requisitados da década de 1990. Ele protagonizou sucessos como “Armageddon” (1998), onde liderou uma equipa de perfuradores de petróleo numa missão espacial para salvar o planeta, e “O Sexto Sentido” (1999), que revelou o seu talento dramático além da ação explosiva.

O Estilo de Bruce Willis

Willis trouxe algo único para os seus papéis de ação: uma mistura de força física e sagacidade emocional. Diferente dos heróis musculosos de Schwarzenegger ou Stallone, ele interpretava personagens mais próximas do homem comum, alguém que podia facilmente ser um pai de família apanhado em situações extraordinárias. Este elemento humano tornou as suas personagens mais relacionáveis e as suas vitórias mais gratificantes.

Além disso, Willis tinha um timing cómico impecável, frequentemente usado para aliviar a tensão em momentos de perigo. Esta capacidade de equilibrar ação, drama e humor tornou-o num dos atores mais versáteis de Hollywood.

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O Declínio e o Fim da Carreira

Na última década, a carreira de Willis foi marcada por uma proliferação de filmes de baixo orçamento, muitos deles lançados diretamente em plataformas digitais. Estes projetos levaram alguns críticos a questionar as escolhas do ator, mas tornaram-se mais compreensíveis após o anúncio do seu diagnóstico de afasia.

Em março de 2022, a família de Willis revelou que ele iria retirar-se devido à progressão da condição, que afeta a sua capacidade de falar, compreender e atuar. Este anúncio foi recebido com uma onda de solidariedade e tributos de colegas e fãs em todo o mundo.

O Legado de Bruce Willis

Bruce Willis deixa um legado extraordinário na história do cinema. Ele não foi apenas um ator; foi um símbolo de resiliência, humor e humanidade. Os seus filmes de ação redefiniram o género, equilibrando cenas explosivas com profundidade emocional.

Mesmo com o fim precoce da sua carreira, o impacto de Willis continuará a ser sentido. Os seus filmes clássicos, como “Die Hard”, “Pulp Fiction”, e “O Sexto Sentido”, permanecem intemporais, lembrando-nos do porquê de termos aclamado este homem comum como um herói extraordinário.

“Shōgun” e a Expansão Global do Conteúdo Japonês

O sucesso estrondoso da série “Shōgun”, disponível no Disney+, trouxe uma nova atenção à qualidade e autenticidade do conteúdo japonês, consolidando a crescente procura global por adaptações de mangas, animes e histórias originais nipónicas. Esta tendência está a moldar o mercado de entretenimento, com estúdios internacionais e criadores japoneses a trabalharem cada vez mais em conjunto para atender à procura de histórias culturais ricas e inovadoras.

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O Impacto de “Shōgun”

Baseada no romance de 1975 de James Clavell, a produção de “Shōgun” distinguiu-se ao respeitar o contexto histórico e cultural, utilizando o japonês como língua principal. Este compromisso com a autenticidade valeu à série 18 Emmys, tornando-a num marco de reconhecimento internacional.

A fidelidade cultural e a atenção ao detalhe demonstradas em “Shōgun” destacaram-se num cenário em que adaptações estrangeiras de mangas e animes muitas vezes falham em capturar o espírito original, como foi o caso de “Ghost in the Shell” (2017) e “Death Note” (2017), criticados pelo afastamento das suas raízes japonesas.

Adaptações Recentes e Futuras

O êxito de “Shōgun” é apenas a ponta do iceberg de uma onda crescente de produções japonesas que têm conquistado audiências globais. Entre os destaques estão:

• “Les Gouttes de Dieu/Drops of God” (Apple TV+), vencedor do prémio de Melhor Drama nos International Emmy Awards.

• “One Piece” (Netflix), elogiado pelo público e já confirmado para uma segunda temporada.

• Adaptações planeadas de “My Hero Academia” e “Naruto”, dois dos mangas mais populares no mundo.

O aumento da procura tem levado estúdios estrangeiros a refinar as suas abordagens, evitando os erros do passado. Klaus Zimmermann, produtor de “Drops of God”, destacou o cuidado em manter o espírito da manga original, trabalhando de perto com os autores para garantir fidelidade e respeito ao material.

Desafios e Oportunidades no Mercado Japonês

Apesar do crescimento da procura por histórias japonesas, as editoras nipónicas enfrentam desafios significativos, particularmente na negociação de direitos e na comunicação com produtores estrangeiros. Kaori Ikeda, presidente executiva da TIFFCOM, sublinhou que as empresas japonesas ainda carecem de experiência em questões contratuais, o que pode limitar o seu alcance internacional.

Para enfrentar estes obstáculos, iniciativas como o Tokyo Story Market têm sido cruciais. Este evento facilita o diálogo entre produtores internacionais e editoras japonesas, promovendo colaborações mais eficazes e alinhadas com os interesses de ambas as partes.

Um Futuro Promissor

O crescimento da procura por conteúdo japonês reflete uma mudança significativa na perceção global das histórias e da cultura do Japão. A geração mais jovem de produtores, familiarizada com mangas e animes através de plataformas como Netflix e Amazon, está a impulsionar uma nova era de colaborações culturais.

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Com o sucesso de “Shōgun” a abrir portas, e projetos como “One Piece” e “My Hero Academia” em andamento, o futuro do conteúdo japonês parece mais brilhante do que nunca. Este é um momento crucial para criadores e estúdios japoneses consolidarem a sua posição no cenário global, mantendo a autenticidade que conquistou audiências pelo mundo.

Crítica de “Carry-On”: Tensão nos Céus e no Solo

A nova aposta da Netflix, “Carry-On”, é um thriller tenso e envolvente que prova que mesmo um aeroporto lotado na véspera de Natal pode ser palco de uma narrativa de tirar o fôlego. Dirigido por Jaume Collet-Serra (“The Shallows”, “Black Adam”), o filme combina o charme da performance de Taron Egerton e a intensidade de Jason Bateman, criando um duelo psicológico que prende a atenção até ao último frame.

Enredo: Um Dia Infernal no Aeroporto

A trama acompanha Ethan Kopek (Egerton), um agente da segurança do transporte aéreo (TSA) no aeroporto de LAX. Num dia já caótico, Ethan vê a sua vida virar do avesso ao ser chantageado por um misterioso viajante (Bateman), que o obriga a deixar passar uma bagagem suspeita sob ameaça à vida da sua namorada, Nora (Sofia Carson). Este cenário inicia um intenso jogo de gato e rato, onde a tensão e as escolhas morais ganham protagonismo.

Personagens: Entre Heróis e Vilões

Egerton interpreta Ethan com uma mistura perfeita de vulnerabilidade e determinação, revelando camadas de um homem comum forçado a lidar com circunstâncias extraordinárias. O ator captura a essência de alguém dividido entre o dever, o medo e o amor, transformando-se num improvável herói.

Por outro lado, Jason Bateman brilha como o antagonista. O seu personagem, embora enigmático, exala uma calma assustadora que contrasta com o desespero de Ethan. As interações entre os dois são o ponto alto do filme, trazendo tensão e imprevisibilidade para cada confronto.

Realização e Atmosfera

A direção de Collet-Serra destaca-se pela forma como utiliza o cenário do aeroporto para criar claustrofobia e urgência. As cenas no LAX são dinâmicas e detalhadas, apresentando um retrato humanizador dos agentes da TSA. Os vislumbres do cotidiano dos colegas de Ethan adicionam um toque de leveza a uma narrativa intensa, enquanto as cenas de suspense são amplificadas pela fotografia hábil de Lyle Vincent (“A Girl Walks Home Alone at Night”).

No entanto, nem tudo é perfeito. Um subplot envolvendo uma investigação policial, liderada por Elena Cole (Danielle Deadwyler), parece desnecessariamente subdesenvolvido e desconexo em relação ao enredo principal. Embora tenha potencial, esta narrativa paralela serve apenas como uma distração, desviando a atenção do coração do filme: o embate entre Ethan e o viajante.

Temas: Vigilância e Privacidade

“Carry-On” explora subtilmente questões contemporâneas como a invasão de privacidade e o poder da vigilância estatal. Embora o filme não aprofunde as implicações filosóficas ou sociais destas temáticas, ele relembra os espectadores do impacto do controlo excessivo sobre a vida cotidiana, especialmente em locais como aeroportos, onde a tensão e a vigilância se encontram em níveis extremos.

Conclusão

“Carry-On” é um thriller eficiente que se destaca pela química entre Egerton e Bateman, pela direção envolvente de Collet-Serra e pela capacidade de manter o suspense do início ao fim. Apesar de algumas falhas narrativas e subtramas pouco desenvolvidas, o filme cumpre o seu propósito como uma experiência de entretenimento intenso e satisfatório. É um lembrete de que as escolhas mais simples — ou forçadas — podem ter consequências devastadoras.

Classificação: ★★★☆☆ (3.5/5)

Denis Villeneuve Revela por que os Telemóveis são “Proibidos” nos Seus Sets

O cineasta Denis Villeneuve, conhecido pelo seu meticuloso processo criativo em filmes como “Dune” e “Blade Runner 2049”, adotou uma abordagem singular para garantir um ambiente de trabalho focado: telemóveis são absolutamente proibidos nos seus sets. A decisão não é recente, mas o realizador voltou a abordar a questão em entrevista ao Los Angeles Times, destacando os benefícios desta política para o trabalho em equipa.

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Cinema como um Ato de Presença

Para Villeneuve, o cinema exige uma conexão profunda entre todos os membros da equipa, algo que, segundo ele, não é possível quando as atenções estão divididas com dispositivos tecnológicos.

“O cinema é um ato de presença,” explicou. “Quando um pintor pinta, ele precisa de estar absolutamente focado na cor que está a colocar na tela. O mesmo acontece com um bailarino ao executar um gesto. Para um realizador, é necessário fazer isso com uma equipa, onde todos têm de estar focados no presente, a ouvir-se uns aos outros e a relacionarem-se. Por isso, os telemóveis são proibidos no meu set desde o primeiro dia. É proibido. Quando digo ‘corta,’ não quero que alguém pegue no telemóvel para ver a sua conta de Facebook.”

A Tentação da Desconexão

Villeneuve admite que ele próprio sente o apelo viciante da tecnologia, mas esforça-se para minimizar a sua influência:

“Sou como qualquer outra pessoa. Há algo de viciante no facto de podermos aceder a qualquer informação, música ou livro. É compulsivo. É como uma droga. Estou muito tentado a desligar-me. Seria como respirar ar fresco.”

Embora reconheça o valor da tecnologia em muitas áreas, o cineasta defende que a sua presença constante pode prejudicar a criatividade e a atenção aos detalhes, essenciais para o processo cinematográfico.

Futuro da Saga “Dune”

A política de Villeneuve de banir telemóveis não é apenas um detalhe curioso, mas parte de um compromisso maior com a criação de um ambiente de trabalho que favoreça a excelência. Essa filosofia é particularmente relevante no contexto da saga “Dune”, que exige um trabalho intensivo de coordenação entre grandes equipas.

Villeneuve revelou recentemente que as filmagens de “Dune Messiah”, o terceiro capítulo da franquia inspirado no romance de 1969 de Frank Herbert, estão programadas para começar no final de 2025 ou início de 2026. Enquanto isso, a prequela “Dune: Prophecy” está a conquistar espectadores na HBO e na plataforma Max, com novos episódios exibidos aos domingos.

O Cinema em Contraponto à Tecnologia

A abordagem de Villeneuve destaca um debate relevante sobre os efeitos da tecnologia nos processos criativos. Para o realizador, a desconexão temporária não é apenas uma necessidade prática, mas uma forma de proteger o que há de mais precioso no cinema: a ligação humana e o foco no momento presente.

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Sony Pictures Defende “Madame Web” e Aponta Críticas como Principal Razão para o Fracasso nas Bilheteiras

O CEO da Sony Pictures, Tony Vinciquerra, defendeu recentemente os resultados abaixo do esperado de “Madame Web”, culpando a receção negativa da crítica pelo fraco desempenho nas bilheteiras. Em entrevista ao Los Angeles Times, Vinciquerra afirmou que, apesar dos números, o filme “não é uma má produção” e destacou o impacto do tratamento dado pela imprensa.

Um Ano Difícil para a Sony Marvel

“Madame Web” arrecadou apenas 100 milhões de dólares mundialmente, enquanto “Kraven the Hunter” se tornou o pior lançamento da Sony Pictures em quase oito anos, com uma abertura de apenas 11 milhões de dólares nos Estados Unidos e um total global de 43 milhões de dólares até agora. Este desempenho coloca o estúdio numa posição complicada em relação ao seu universo expandido de personagens do Homem-Aranha.

Vinciquerra explicou:

“A imprensa crucificou ‘Madame Web.’ Não foi um mau filme, e teve ótimos resultados na Netflix. Mas, por algum motivo, decidiram que não devíamos fazer estes filmes, como ‘Kraven’ e ‘Madame Web’, e os críticos destruíram-nos. O mesmo aconteceu com ‘Venom,’ mas o público adorou, e foi um enorme sucesso.”

Impacto das Críticas

Com 11% no Rotten Tomatoes, “Madame Web” sofreu tanto nas análises quanto no desempenho financeiro. Por outro lado, mesmo filmes como “Morbius”, que geraram 167,4 milhões de dólares mundialmente, foram descritos como “dissabores criativos e críticos” por fontes internas da Sony.

Vinciquerra reconheceu que os filmes baseados nos personagens do Homem-Aranha precisam de uma reavaliação:

“Se lançarmos outro, será destruído, independentemente de ser bom ou mau. Temos de repensar a abordagem.”

O Futuro da Sony Pictures com a Marvel

Apesar dos desafios, o estúdio está a trabalhar em colaboração com a Marvel Studios da Disney no desenvolvimento do quarto filme de “Homem-Aranha”, novamente com Tom Holland no papel principal. Vinciquerra destacou que esta parceria é essencial para o sucesso futuro do universo do Homem-Aranha, enquanto a Sony pondera quais personagens têm potencial para sustentar uma franquia cinematográfica.

Perspetivas

Com resultados mistos nas bilheteiras e críticas implacáveis, o futuro da Sony Pictures no universo Marvel está sob pressão. No entanto, a popularidade de personagens como Venom e a relação com a Marvel Studios podem ser as chaves para reverter esta maré e reconquistar tanto o público quanto os críticos.