O catálogo do Disney+ continua a crescer para lá dos grandes títulos e das franquias mais ruidosas. Desta vez, a plataforma aposta numa obra curta, delicada e profundamente humana. Retirement Plan, curta-metragem de animação seleccionada para a shortlist dos Óscares, acaba de ser adquirida pelo Disney+ no Reino Unido e em vários territórios europeus, levando consigo uma carga emocional muito maior do que a sua duração poderia sugerir.

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A novidade vem acompanhada de outro anúncio relevante: Domhnall Gleeson, que dá voz ao protagonista, passa também a integrar oficialmente o projecto como produtor executivo, reforçando o peso criativo e mediático da curta.

Um percurso de festivais absolutamente notável

Antes de chegar ao streaming, Retirement Plan já tinha conquistado um percurso invejável no circuito internacional. A estreia mundial aconteceu no Galway Film Festival, seguindo depois para o SXSW, onde arrecadou dois dos prémios mais cobiçados: o Grande Prémio do Júri e o Prémio do Público na competição de curtas de animação.

A consagração continuou no Palm Springs International ShortFest, onde venceu o prémio Best of the Festival. Este percurso culminou com a inclusão na shortlist da Academy Awards para Melhor Curta-Metragem de Animação — uma lista restrita de apenas 15 filmes.

Uma comédia suave sobre ansiedade, tempo e expectativas

Realizada pelo cineasta irlandês John Kelly, Retirement Plan acompanha Ray, um homem de meia-idade a braços com o cansaço mental e emocional da vida moderna. Enquanto enfrenta a sobrecarga do presente, Ray refugia-se em fantasias sobre a reforma: escrever poesia, praticar desportos radicais, cultivar legumes, ou até ensaiar as palavras perfeitas para se despedir dos entes queridos quando chegar o momento final.

Há, contudo, um detalhe incómodo que atravessa a narrativa como um murro silencioso no estômago: Ray não tem qualquer plano de reforma. Nem pensão. Nem segurança. Ainda assim, isso não o impede de imaginar um futuro pleno e quase idílico — uma contradição tão comum quanto dolorosamente actual.

Kelly descreveu o filme de forma desarmante, afirmando que basicamente transformou “um ataque de pânico numa curta-metragem”. O argumento foi co-escrito com Tara Lawall, numa colaboração que resulta numa obra simultaneamente pessoal, estranha e surpreendentemente universal.

Uma pequena jóia no catálogo do Disney+

Produzido por Andrew Freedman e Julie Murnaghan, Retirement Plan demonstra como a animação continua a ser um meio privilegiado para explorar temas adultos com leveza e profundidade. A entrada da curta no Disney+ representa também uma abertura da plataforma a conteúdos mais autorais e menos formatados — algo que merece ser sublinhado.

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Curta, simples e emocionalmente honesta, Retirement Plan é daquelas obras que ficam a ecoar bem depois de terminarem os crédito.

O Festival Internacional de Cinema de Marrakech regressou em força para a sua 22.ª edição, inaugurado com uma noite que reuniu nomes maiores do cinema mundial e reafirmou o estatuto do certame como um ponto de encontro entre continentes, culturas e gerações de cineastas. Bong Joon Ho, que preside ao júri deste ano, foi recebido com uma ovação calorosa, acompanhado por Jenna Ortega, Anya Taylor-Joy e muitas outras figuras destacadas da indústria. A sessão de abertura incluiu a exibição de Dead Man’s Wire, o novo filme de Gus Van Sant, apresentado no palco pelo produtor Cassian Elwes.

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O vencedor do Óscar por Parasitas abriu oficialmente o festival evocando a sua própria juventude: “Aos 22 anos, devorava filmes com fome de estudante de cinema”, recordou. Ao olhar para Marrakech a celebrar igualmente os seus 22 anos de existência, Bong disse reconhecer “a mesma energia vibrante, cheia de paixão pelo cinema”. A comparação não poderia ser mais feliz: o festival, tal como ele próprio naquela idade, está num momento de maturidade efervescente, movido por impulso criativo e pelo desejo de descoberta.

Dead Man’s Wire, inspirado no caso real do criminoso Tony Kiritsis, chega ao festival depois da estreia em Veneza e colecciona elogios da crítica internacional, com destaque para a interpretação de Bill Skarsgård. O filme prepara-se para entrar em circuito comercial em Janeiro, mas em Marrakech foi sobretudo o elenco do júri que roubou atenções. Para além de Bong, a organização reuniu Jenna Ortega — actualmente um dos rostos mais reconhecidos da nova geração — Anya Taylor-Joy, Celine Song, Julia Ducournau, Karim Aïnouz, Hakim Belabbes e Payman Maadi. Uma equipa ecléctica e prestigiada, capaz de valorizar como poucos a selecção de 14 filmes de realizadores emergentes que competem este ano.

Na passadeira vermelha, Melita Toscan du Plantier, presidente do festival e figura central na sua arquitectura programática, sublinhou o impacto do painel de jurados para os novos talentos. Para muitos dos realizadores estreantes, saber que o seu primeiro ou segundo filme será visto por Bong Joon Ho, por vencedores de prémios internacionais ou por estrelas globais, é quase tão importante quanto a própria competição. E houve ainda espaço para confirmar a chegada de Jodie Foster, homenageada nesta edição e que visita Marrocos pela primeira vez.

Celine Song, realizadora de Past Lives e Materialists, confessou estar particularmente entusiasmada com esta vertente do festival — a capacidade de descobrir cinema sem o peso das expectativas. Para ela, Marrakech tem a mesma frescura de Sundance: um lugar onde se entra “sem contexto” e onde a surpresa é parte essencial da experiência.

Remi Bonhomme, director artístico, reforçou esse posicionamento híbrido: Marrakech vive entre a Europa e África, e isso permite-lhe ter uma programação simultaneamente cosmopolita e regional. Para além disso, o lugar estratégico no calendário — no final do ano — coloca o festival directamente no corredor da temporada de prémios. E não é coincidência que tantos países tenham inscrito os seus candidatos aos Óscares na secção dedicada ao cinema internacional, como Homebound, Palestine 36, Calle Malaga, The President’s Cake, A Poet e No Other Choice.

Bill Kramer, director executivo da Academia de Hollywood, esteve presente e deixou claro que a instituição pretende reforçar a sua presença no Norte de África e no Médio Oriente. Marrakech, disse, está a tornar-se “uma paragem incontornável no circuito dos Óscares”. É um elogio raro, mas merecido, para um festival que tem investido na expansão internacional sem perder o cuidado artesanal da curadoria.

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A cerimónia de abertura terminou com uma homenagem emotiva ao actor egípcio Hussein Fahmi, de 85 anos, que recebeu aplausos de pé enquanto revia cenas de alguns dos seus papéis mais marcantes. Depois, cumprimentou um a um os membros do júri, num momento de reverência entre gerações e geografias.

O festival decorre até 6 de Dezembro e promete encontros memoráveis com nomes como Jodie Foster, Guillermo del Toro, Laurence Fishburne, Kleber Mendonça Filho, Andrew Dominik e Jafar Panahi — uma edição que reafirma a vocação universalista de Marrakech e a sua crescente influência no mapa dos grandes festivais de cinema.

O público presente na estreia europeia de Hamnet, o novo filme de Chloé Zhao, não estava preparado para isto: Steven Spielberg subiu inesperadamente ao palco do Royal Festival Hall, em Londres, para prestar uma homenagem sentida à realizadora. O momento arrancou aplausos entusiasmados e deu o tom emocional de uma noite já especial para o cinema.

Spielberg, que é produtor do filme, descreveu Hamnet como “uma poderosa história de amor e perda que inspirou a criação da obra-prima intemporal de Shakespeare, Hamlet”. No filme, Paul Mescal interpreta William Shakespeare e Jessie Buckley dá vida à sua esposa, Agnes, numa narrativa que mistura dor, inspiração e o poder da arte para transformar o sofrimento em eternidade.

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“Chloé Zhao está ligada ao coração da Terra”

O realizador de E.T., A Lista de Schindler e Os Fabelmans começou por recordar o momento em que conheceu Zhao, em 2022, num jantar para realizadores nomeados aos Óscares, logo após a vitória dela com Nomadland.

“Tornámo-nos amigos, e passámos a almoçar juntos na Amblin. Fico sempre maravilhado com ela”, contou Spielberg. “Acredito que a Terra tem um batimento cardíaco — um ciclo sísmico constante, 24 horas por dia — e que todos estamos ligados a esse batimento. Mas a Chloé está ligada a ele de uma forma profunda, porque é daí que vem a sua arte.”

Com a eloquência de quem reconhece um talento raro, Spielberg acrescentou:

“É isso que ela leva para o set todos os dias, é o que partilha com os atores. Quando virem Hamnet, vão sentir o batimento sísmico da Terra — por causa de Chloé Zhao.”

Paul Mescal chama-lhe “uma das grandes bruxas do nosso tempo”

O protagonista Paul Mescal, que dá corpo ao jovem Shakespeare, também não poupou elogios à realizadora, descrevendo-a como “uma das grandes bruxas do nosso tempo”. O ator explicou que o ambiente criado por Zhao durante as filmagens foi “mágico” e “um dos principais motivos pelos quais o público está a reagir tão fortemente ao filme”.

A sua parceira em cena, Jessie Buckley, emocionou-se visivelmente durante a apresentação, tal como a própria Zhao, que confessou sentir uma “imensa gratidão” por finalmente poder mostrar o filme na terra onde ele nasceu — literalmente.

“Trouxemos Hamnet para casa”

Chloé Zhao, visivelmente comovida, dirigiu-se ao público com uma humildade que já se tornou a sua marca:

“Sinto uma enorme gratidão, porque hoje trouxemos Hamnet para casa. Fazer este filme nesta ilha e com esta comunidade deu-me um profundo sentimento de pertença e segurança que nunca tinha experimentado. Ajudou-me a ultrapassar um período muito difícil da minha vida.”

Antes da projeção, a realizadora conduziu a plateia num breve exercício de respiração, pedindo que “todas as emoções fossem bem-vindas” durante o visionamento do filme — um gesto simples, mas profundamente simbólico do tipo de cinema espiritual e humano que Zhao continua a cultivar.

Um dos grandes candidatos à temporada de prémios

Depois de vencer o People’s Choice Award em Toronto, Hamnet chega agora à Europa com estatuto de favorito aos Óscares 2025. O filme terá estreia limitada nos EUA e Canadá a 27 de novembro, pela Focus Features, e chega ao Reino Unido a 9 de janeiro, através da Universal Pictures.

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Com a bênção de Spielberg e a assinatura sensível de Zhao, Hamnet promete ser muito mais do que um drama histórico — é uma experiência emocional, quase espiritual, sobre amor, perda e a pulsação invisível que nos liga a todos.

Prepare os lenços: o novo filme de Chloé Zhao, Hamnet, está a ser descrito como “o melhor filme do ano” — e o trailer agora divulgado confirma que vem aí uma verdadeira torrente de emoções. Depois de conquistar o público com Nomadland (que lhe valeu o Óscar de Melhor Realização), Zhao volta a mergulhar na dor humana com uma história de amor, perda e inspiração, centrada na figura do filho de William Shakespeare.

Antes de Hamlet, houve Hamnet

Baseado no romance homónimo de Maggie O’Farrell, Hamnet leva-nos à Inglaterra do século XVI, onde William Shakespeare (Paul Mescal) ainda luta por afirmar-se enquanto dramaturgo. Quando o seu filho Hamnet morre aos 11 anos, a tragédia transforma-se num ponto de viragem na vida do autor — um trauma que muitos acreditam ter dado origem à escrita de Hamlet, uma das maiores obras da literatura mundial.

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Mas a verdadeira alma do filme é Agnes (interpretada por Jessie Buckley), a esposa de Shakespeare, retratada como uma mulher intuitiva, ligada à natureza e consumida pelo luto. A relação entre ambos, filmada com a sensibilidade que Zhao já nos habituou, promete ser o coração emocional da narrativa.

Uma dor que ilumina

Apontado como um dos grandes candidatos à temporada de prémios, Hamnet já conquistou o People’s Choice Award no Festival de Toronto — distinção que, nos últimos anos, antecipou vários vencedores do Óscar de Melhor Filme. A estreia mundial deu-se em Telluride, onde foi recebido com aplausos de pé e críticas entusiasmadas.

A fotografia de Łukasz Żal (Ida, Cold War) envolve o filme numa aura etérea: campos verdejantes do País de Gales banhados por luz dourada, contrastando com o peso da dor e a serenidade de quem aprende a aceitar a perda.

Paul Mescal e Jessie Buckley: química e devastação

Depois de Aftersun, Paul Mescal confirma-se como um dos atores mais intensos da sua geração. Aqui, o seu Shakespeare é um homem dividido entre o génio criativo e a culpa pela ausência. Jessie Buckley, por sua vez, oferece uma performance descrita pela crítica como “mística e arrebatadora”, tornando Agnes numa das personagens femininas mais comoventes do cinema recente.

O cinema como elegia

Com argumento coescrito por Zhao e Maggie O’Farrell, Hamnet promete uma reflexão profunda sobre o amor, a morte e a arte como forma de eternizar a dor. Não é apenas um filme sobre Shakespeare — é sobre o que nos resta quando perdemos tudo.

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E se o trailer é alguma indicação, prepare-se: Hamnet não será apenas um dos filmes mais belos do ano — será também um dos mais tristes.

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A Ascensão e Queda de Emilia Pérez nos Óscares

Apesar do favoritismo, Emilia Pérez saiu da noite dos Óscares apenas com duas estatuetas douradas: Melhor Atriz Secundária para Zoe Saldaña e Melhor Canção Original para El Mar, esta última garantindo um Óscar ao próprio Audiard. No entanto, o grande golpe foi a perda do prémio de Melhor Filme Internacional, que acabou por ir para o brasileiro Ainda Estou Aqui, de Walter Salles.

A jornada até à cerimónia de 2 de março foi tudo menos tranquila para Audiard e a Netflix, que apostou forte na campanha do filme. A produção enfrentou críticas severas por ter sido rodada em Paris, com poucos mexicanos no elenco e na equipa técnica, apesar da sua narrativa estar profundamente enraizada no México e na sua cultura. A forma como abordou temas transgénero e a violência dos cartéis também gerou debates intensos, dividindo audiências e especialistas.

Adicionalmente, a protagonista Karla Sofia Gascón viu declarações antigas de cariz racista e xenófobo virem a público, ameaçando implodir a campanha do filme. Para Audiard, esta sucessão de controvérsias transformou a corrida numa verdadeira batalha de bastidores.

Audiard Contra a “Máquina de Hollywood”

Numa recente entrevista à rádio France Inter, Jacques Audiard não poupou críticas à forma como a indústria norte-americana conduz a temporada de prémios. O realizador, que já esteve na corrida aos Óscares em 2010 com Um Profeta, considerou que o nível de competição se tornou brutal e desvirtua o que realmente importa: o cinema.

“Foi difícil, competitivo; não estamos necessariamente habituados aqui [na Europa] a esse nível de competição, mas naquela época foi uma brincadeira de crianças. Agora, tornou-se uma guerra aberta entre produtoras, distribuidoras e estúdios. É cansativo e faz as pessoas perderem de vista o cinema”, afirmou.

Segundo Audiard, “as pessoas ligadas à indústria, ao capital e ao comércio criam esta tensão”, algo que é exacerbado pelas redes sociais e a propagação de “notícias falsas”. Acrescentou ainda que, nos bastidores da temporada de prémios, os estúdios estão preparados para “lançar os maiores insultos uns contra os outros”.

Hollywood e o Código de Silêncio

Para o realizador francês, a noite da cerimónia foi apenas a conclusão de um jogo político que acontece longe das câmaras. “Hollywood é um mundo de dinheiro”, disse Audiard, acrescentando que a influência de figuras como Donald Trump no setor financeiro acaba por moldar a indústria cinematográfica.

“Não é o Donald Trump que vai fazer o dinheiro crescer? Portanto, nada será dito abertamente em Hollywood; existe um código de silêncio”, garantiu.

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Após uma campanha intensa e repleta de desafios, Audiard sobreviveu à guerra de bastidores. No entanto, as suas palavras deixam claro que, para ele, o cinema como arte está a perder espaço numa indústria cada vez mais dominada pelo marketing e pela política dos grandes estúdios.

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Este investimento astronómico rendeu frutos: Anora superou pesos pesados como The Brutalist, Conclave e A Complete Unknown, e levou para casa o prémio de Melhor Filme. Mas como é que a Neon conseguiu este feito?

Marketing de guerrilha: Gen Z e cultura pop no centro da campanha

Em vez de apostar em campanhas tradicionais direcionadas a críticos e membros da Academia, a Neon apostou num marketing voltado para a cultura jovem e digital. Um dos exemplos mais notáveis foi uma pop-up store temporária, montada num estacionamento de Los Angeles, onde os fãs puderam comprar merchandise exclusivo do filme.

A fila começou a formar-se às 10h da manhã, mesmo que a loja só abrisse às 15h – sinal do entusiasmo gerado pela campanha. Entre os produtos vendidos, destacam-se:

• T-shirts com frases icónicas do filme  – Slogans como “Stay jealous, babe!”, “You hit the lotto, bitch!” e “Fuckin’ Cinderella” tornaram-se virais.

• Tangas vermelhas com a inscrição “Little Wifey”  – Vendidas a 15 dólares, tornaram-se um símbolo do filme.

• Posters e impressões de edição limitada  – Alguns mostrando a protagonista Mikey Madison em poses sensuais inspiradas nos anos 70.

Além disso, a primeira exibição de Anora em Hollywood contou com uma plateia repleta de trabalhadoras do sexo, uma jogada estratégica que reforçou a autenticidade da narrativa do filme.

E os concorrentes? Estratégias (e orçamentos) bem diferentes

Enquanto Anora apostava numa abordagem jovem e irreverente, outros concorrentes seguiram caminhos distintos:

• The Brutalist – Produzido por 10 milhões de dólares, teve um orçamento de marketing semelhante ao de Anora, mas optou por uma campanha mais clássica. A24 lançou um merchandise discreto, incluindo T-shirts minimalistas e um modelo em miniatura do centro comunitário projetado pelo arquiteto da história (inspirado num campo de concentração). Apenas 500 unidades foram fabricadas, ao preço de 75 dólares – e esgotaram rapidamente.

• A Complete Unknown – O filme protagonizado por Timothée Chalamet como Bob Dylan teve um orçamento de 70 milhões e um investimento promocional que ultrapassou esse valor. Para recuperar os custos, apostou em produtos de luxo, como um casaco de camurça da Levi’s por 1.200 dólares e uma moto Triumph igual à do filme por 12.895 dólares. Além disso, o famoso bar Dante, em Nova Iorque, criou um cocktail inspirado na lenda da música, batizado Like a Rolling Stone.

• Conclave – O drama sobre a eleição de um novo Papa, com um orçamento de 20 milhões, teve um marketing mais discreto e sem merchandising oficial. No entanto, os fãs trataram de criar os seus próprios produtos, como T-shirts com a frase “Messy Bitch Convention” e autocolantes dos cardeais fumando vape.

O impacto da estratégia de Anora no cinema independente

O sucesso de Anora demonstra como o público e a própria Academia estão a mudar. O filme foi o de menor orçamento entre os nomeados, mas conseguiu competir de igual para igual com produções muito mais dispendiosas.

Além disso, a aposta da Neon no marketing low-cost mas viral (com forte apelo ao público jovem) é um sinal claro de que o cinema independente pode ser tão competitivo como as grandes produções de Hollywood.

Com a sua vitória no Óscar e um sucesso estrondoso no streaming, Anora já garantiu o seu lugar como um dos filmes mais falados do ano. E, claro, a campanha promocional ajudou a transformar este pequeno filme numa verdadeira sensação global.

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 O que achaste da estratégia de marketing de Anora? Será que este é o futuro do cinema independente?

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A crítica do governo israelita

Após a cerimónia dos Óscares, Zohar, membro do partido Likud e aliado do primeiro-ministro Benjamin Netanyahu, expressou o seu desagrado nas redes sociais:

“Em vez de apresentar a complexidade da realidade israelita, os cineastas optaram por amplificar histórias que distorcem a imagem de Israel perante o público internacional.”

O ministro acrescentou que, especialmente no contexto da guerra em Gaza e do ataque do Hamas a Israel a 7 de outubro de 2023, o filme não é um ato de arte, mas sim uma “sabotagem contra o Estado de Israel”.

Um filme que dá voz a palestinianos e israelitas

Realizado pelo palestiniano Basel Adra e pelo israelita Yuval Abraham, No Other Land tem sido elogiado por dar uma perspetiva humana ao conflito, focando-se na luta dos habitantes de Masafer Yatta, uma área no sul da Cisjordânia ocupada por Israel desde 1967.

Na sua aceitação do prémio, Basel Adra dedicou o Óscar à sua filha recém-nascida e lamentou a violência contra os palestinianos:

“Espero que a minha filha não tenha de viver a mesma vida que estou a viver agora, sempre temendo a violência dos colonos, as demolições de casas e as deslocações forçadas.”

Já Yuval Abraham apelou ao fim da guerra e ao reconhecimento da dignidade de ambos os povos:

“O meu povo pode estar realmente seguro se o povo de Basel estiver realmente livre e em segurança. Não há outro caminho.”

O documentário, que já tinha vencido em Berlim, não teve distribuição nos EUA, sendo exibido apenas em salas selecionadas.

Um dos momentos mais políticos dos Óscares 2025

A vitória de No Other Land foi um dos momentos mais carregados politicamente da 97.ª cerimónia dos Óscares, num contexto de grande tensão internacional devido ao conflito israelo-palestiniano.

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E tu, já viste No Other Land? Achas que a premiação foi justa ou compreendes as críticas? Partilha a tua opinião nos comentários!

"No Other Land" director Basel Adra: "We call on the world to take serious actions to stop the injustice and to stop the ethnic cleansing of Palestinian people." | #Oscars pic.twitter.com/NzoqLKiBSJ

— Variety (@Variety) March 3, 2025

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A cerimónia de atribuição decorreu em Nova Iorque, com o próprio presidente da Polónia, Andrzej Duda, a entregar-lhe o documento que oficializa a sua dupla nacionalidade. “Enquanto estávamos a filmar na Polónia, ocorreu-me algo tão óbvio: a minha família viveu aqui durante muito mais tempo do que vivemos em Nova Iorque”, revelou Eisenberg, emocionado.

De uma viagem cinematográfica a um reencontro com as raízes

A Verdadeira Dor conta a história de dois primos americanos que viajam para a Polónia para homenagear a avó, sobrevivente do Holocausto. O argumento, inspirado em eventos reais da vida de Eisenberg, nasceu após a morte da sua tia-avó, que fugiu da Polónia durante a Segunda Guerra Mundial.

A ligação do ator ao país foi-se tornando cada vez mais forte ao longo da rodagem, levando-o a iniciar o processo de cidadania ainda durante as filmagens, em maio de 2024. O direito foi-lhe concedido por descendência direta, uma vez que os seus antepassados viveram na Polónia após 1920.

“Para além da tragédia histórica, há também a tragédia de a minha família já não sentir qualquer ligação à Polónia”, confessou Eisenberg. “Isso entristeceu-me e confirmou a minha vontade de restabelecer esses laços.”

O impacto de A Verdadeira Dor

O filme, que Eisenberg escreveu, realizou e protagonizou, teve uma receção calorosa e destacou-se na última edição dos Óscares, conquistando nomeações para Melhor Argumento Original e Melhor Ator Secundário. Foi nesta última categoria que Kieran Culkin brilhou, levando para casa a estatueta dourada.

A Verdadeira Dor não venceu o Óscar de Melhor Argumento, que acabou por ir para Anora, mas isso não diminuiu o impacto do filme. Ao trazer à luz a complexidade da identidade judaico-polaca e a relação do país com o seu passado, Eisenberg conseguiu muito mais do que uma simples história emocionante — criou um elo cultural que agora se reflete também no seu passaporte.

O presidente polaco, Andrzej Duda, destacou a importância desta decisão: “É incrível ver pessoas do outro lado do oceano reconhecerem as suas raízes e quererem honrar o legado dos seus antepassados.”

De Hollywood para a Polónia: o que vem a seguir?

Com esta nova cidadania, será que veremos Jesse Eisenberg a explorar mais histórias relacionadas com as suas origens? Ou até a filmar novos projetos na Polónia? Se A Verdadeira Dor for um indício do que está por vir, podemos esperar narrativas cada vez mais pessoais e impactantes no seu percurso.

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E vocês, já assistiram ao filme? Acham que Jesse Eisenberg deveria continuar a explorar as suas raízes no cinema? Partilhem a vossa opinião nos comentários!

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O ator, premiado com o Óscar de Melhor Ator pelo seu desempenho em O Brutalista, esteve no palco por 5 minutos e 40 segundos, ultrapassando uma marca que vinha desde 1943!

Quebrando um Recorde com Ousadia e… uma Pastilha!

O recorde anterior pertencia à lendária Greer Garson, que em 1943 falou durante 5 minutos e 30 segundos ao vencer o prémio de Melhor Atriz por A Família Miniver.

Para evitar discursos longos, a Academia introduziu a prática de tocar música para “despachar” os vencedores, mas Brody não se deixou intimidar e pediu que parassem a orquestra para continuar o seu discurso!

E não foi só isso que chamou a atenção… Antes de subir ao palco, Brody tirou uma pastilha elástica da boca e atirou-a para a namorada, Georgina Chapman, num momento que se tornou viral. Mais tarde, explicou:

 “Esqueci-me que estava a mastigar pastilha elástica. Tinha que me desfazer dela de alguma forma!”

Um Discurso à Altura de Um Filme de 3 Horas e Meia

O longo discurso de Brody combinou perfeitamente com O Brutalista, o filme nomeado mais longo do ano, com 3 horas e meia de duração.

No palco, o ator alertou para a fragilidade da profissão de ator:

 “Parece muito glamorosa, e em certos momentos é mesmo. Mas tudo pode desaparecer.”

Entre os agradecimentos, mencionou os pais, a namorada e a equipa do filme, e terminou com uma reflexão poderosa:

 “Se o passado pode ensinar-nos alguma coisa, é um alerta para não deixarmos o ódio passar sem controlo.”

Brody Quebra Regras, Mas Fica na História!

Apesar de ter prometido ser breve, Brody quebrou um recorde com mais de 80 anos, garantindo que este momento ficará para sempre associado à história dos Óscares.

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E vocês, o que acharam deste momento? A Academia devia impor um limite mais rigoroso ou devemos deixar os vencedores desfrutar do seu momento de glória?

Um tributo luminoso no coração do Carnaval

A homenagem aconteceu na noite de 2 de março, antes do arranque da gala dos Óscares, e teve 15 minutos de pura magia, com luzes e formas a dançar sobre a cidade.

O espetáculo foi uma celebração dupla: o Brasil vibrava com a festa do Carnaval e, ao mesmo tempo, aguardava ansiosamente a cerimónia em Hollywood, onde Fernanda Torres estava nomeada para Melhor Atriz e Ainda Estou Aquicompetia por Melhor Filme e Melhor Filme Internacional.

@g1 Homenagem – Fernanda Torres foi homenageada no Farol da Barra neste domingo (2) de carnaval, em Salvador. Uma marca usou drones para formar o rosto da atriz no ar, surpreendendo o público que acompanhava o desfile dos trios no local. #g1 #tiktoknotícias #FernandaTorres #Oscar ♬ som original – g1

O filme de Walter Salles, que trouxe para o grande ecrã a comovente história de Eunice e Rubens Paiva durante a ditadura militar brasileira, já havia conquistado o coração do público e da crítica. Agora, a sua vitória nos Óscares consolidou ainda mais o seu impacto global.

Fernanda Torres e um momento para a história

A atriz brasileira, já premiada nos Globos de Ouro pelo seu desempenho, viu o seu talento e legado celebrados de forma única. A projeção do seu rosto no céu de Salvador tornou-se um dos momentos mais emblemáticos do Carnaval deste ano.

Este reconhecimento é ainda mais especial, considerando que Fernanda Torres segue os passos da sua mãe, Fernanda Montenegro, que foi a primeira atriz brasileira nomeada ao Óscar, em 1999, por Central do Brasil, também de Walter Salles.

Walter Salles dedica o Óscar a Eunice e Rubens Paiva

Durante o seu discurso de aceitação, Walter Salles homenageou Eunice e Rubens Paiva, figuras centrais da história do filme, e fez questão de agradecer a Fernanda Montenegro e Fernanda Torres pelo seu contributo inestimável para o cinema brasileiro.

 O Brasil celebrou esta vitória como se fosse uma final de Copa do Mundo! E não é para menos – trata-se de um marco para a indústria cinematográfica do país e um momento inesquecível para todos os brasileiros.

 E vocês, viram a homenagem com os drones? O que acharam desta grande celebração do cinema brasileiro? Contem-nos nos comentários!