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Durante a Fan Expo Chicago, Hall revelou que, quando regressou para filmar reshoots seis meses após as filmagens originais, já estava… diferente. O ator tinha apenas 14 anos e, como ele próprio contou, “a puberdade bateu forte”: tinha crescido quase um metro e parecia uma outra pessoa. Quem foi o primeiro a apontar isso em tom de gozo? Claro, Chevy Chase.

Mas o humor cáustico não ficou por aí. Hall partilhou também que, ao terminar as filmagens, recebeu um autógrafo especial do seu “pai de ecrã”:

“Para Anthony, és um Robby Benson em ascensão. Se estás a ficar cego, é porque estás a fazer bem as coisas.”

Ao que parece, Chevy também não perdeu a oportunidade de brincar com as borbulhas do jovem ator. Dana Barron, que interpretava Audrey, a irmã Griswold, relembrou que Chase fazia piadas constantes sobre as espinhas do colega.

Apesar de tudo, não há ressentimentos. Hall deixou isso claro no painel: “É por isto que adoro ser teu filho há 40 anos. Amo-te.”

O Legado Griswold

Vacation, realizado por Harold Ramis e escrito por John Hughes, acompanha a família Griswold na sua viagem desastrada até ao fictício parque Walley World. O humor anárquico, o timing perfeito de Chevy Chase e o carisma de Beverly D’Angelo (a mãe Ellen) transformaram o filme numa referência da comédia dos anos 80.

Hall e Barron não regressaram nas sequelas, mas National Lampoon’s Christmas Vacation (1989) cimentou ainda mais o estatuto da saga como culto do cinema familiar.

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Na mesma convenção, o elenco mostrou que a cumplicidade sobreviveu ao tempo. E Chevy, hoje com 81 anos, não perdeu o entusiasmo: partilhou no Instagram que adorou rever velhos amigos e já prepara uma digressão especial de oito espetáculos dedicada a Christmas Vacation, entre outubro e dezembro.

Parece que o Natal dos Griswold continua vivo — e tão sarcástico como sempre.

No passado dia 24 de agosto, os dois atores surgiram juntos em Vancouver, no estádio Nat Bailey, durante o jogo entre os Vancouver Canadians e os AquaSox. E se os fãs já estavam entusiasmados com a sua presença, o delírio instalou-se quando ambos lideraram a multidão num entoado “Take Me Out to the Ball Game”, recriando parte da magia que viveram em 1986 no filme de John Hughes.

Um regresso ao passado

No clássico da comédia adolescente, Broderick interpretava o irreverente Ferris Bueller, enquanto Ruck dava vida a Cameron, o melhor amigo pessimista que acabava arrastado para um dia de loucuras em Chicago. Entre as muitas cenas icónicas, há uma passada precisamente num jogo de basebol, em que Ferris e Cameron tentam escapar ao diretor da escola enquanto se divertem nas bancadas de Wrigley Field. Ver os dois juntos, quase 40 anos depois, foi como um portal direto para esse momento.

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De volta ao grande ecrã

E para quem ficou com saudades, a boa notícia é que o reencontro não se ficou por aqui. Broderick e Ruck vão voltar a partilhar o ecrã em “The Best Is Yet to Come”, remake de um sucesso francês, atualmente em filmagens no Canadá. O enredo segue dois amigos que, devido a um mal-entendido que cria uma contagem decrescente para o futuro, partem numa viagem de carro para reencontrar o filho afastado de um deles e, ao mesmo tempo, cumprir uma lista de desejos adiados.

O filme, que promete ser uma mistura de comédia e reflexão sobre amizade e envelhecimento, surge como um reencontro simbólico para os atores, quase quatro décadas depois de Ferris Bueller’s Day Off lhes ter aberto portas em Hollywood.

O legado de John Hughes

Numa entrevista em 2023, Broderick recordou que trabalhar com John Hughes não era sempre fácil: “Houve momentos de tensão, mas também uma enorme aprendizagem. Ele sabia muito bem o que queria.” Hughes faleceu em 2009, mas o impacto da sua obra continua a ecoar no cinema e na memória de quem cresceu com os seus filmes.

Com o regresso de Broderick e Ruck tanto ao convívio dos fãs como ao grande ecrã, parece que o espírito de Ferris Bueller continua bem vivo — e, como dizia o próprio, “a vida passa muito depressa. Se não parares para a viver, podes perdê-la.”

“Um momento muito especial” que não se repete

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Em entrevista à Entertainment Tonight, o realizador foi categórico:

“Acho que Home Alone existiu como um momento muito especial, e não é possível recapturá-lo. Seria um erro tentar voltar atrás e repetir algo que fizemos há 35 anos.”

Para Columbus, a magia dos dois primeiros filmes – Sozinho em Casa (1990) e Sozinho em Casa 2: Perdido em Nova Iorque (1992) – reside precisamente no contexto e no espírito da época, impossíveis de replicar hoje com a mesma inocência e frescura.

Macaulay Culkin aberto ao regresso… pelo preço certo

Já Macaulay Culkin, que eternizou Kevin McCallister, admitiu no final de 2024, durante uma sessão especial com fãs, que até poderia regressar à saga — mas apenas se a proposta financeira fosse suficientemente tentadora. O ator revelou ainda que chegou a ser convidado para participar num dos capítulos mais recentes da franquia, embora tenha recusado.

Hoje, aos 44 anos e pai de dois filhos, Culkin confessou ter “ideias” para o regresso, mas pouco tempo para escrever ou desenvolver um projeto nessa direção.

Uma franquia com altos e baixos

Depois dos dois filmes de Columbus, a saga conheceu várias continuações sem Culkin no elenco: Sozinho em Casa 3(1997), Sozinho em Casa 4 (2002), Sozinho em Casa: O Assalto do Feriado (2012) e Home Sweet Home Alone (2021). Nenhum deles, contudo, conseguiu replicar o fenómeno dos originais.

Em 2018, chegou a ser anunciado um projeto produzido por Ryan Reynolds, intitulado Stoned Alone, uma versão para adultos com classificação R. Mas a ideia acabou por se perder num “inferno de produção” sem nunca sair do papel.

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A casa fica… sozinha

Com Chris Columbus a fechar a porta a um reboot e Macaulay Culkin apenas disposto a regressar mediante condições muito específicas, o futuro de Sozinho em Casa permanece incerto. Para já, parece que a icónica casa nos arredores de Chicago continuará apenas habitada pela memória dos fãs — e pelas armadilhas inventivas de um miúdo que, há 35 anos, transformou a solidão natalícia num fenómeno global.

“Pessoalmente, não acredito num remake desse filme. Porque acho que ele é muito marcado pelo seu tempo,” afirmou Ringwald. “É um filme muito branco. Não há diversidade étnica, não se fala de género, nada disso. E isso já não representa o mundo em que vivemos hoje.”

A importância de criar algo novo… inspirado, mas não copiado

Ringwald não se opõe a novas narrativas que se inspirem no espírito de The Breakfast Club, mas sublinha que é essencial que essas histórias reflitam a complexidade do mundo atual:

“Acredito em fazer filmes que sejam inspirados noutros, mas que os ultrapassem — que representem o que se passa hoje. Gostava de ver histórias que nascem de The Breakfast Club, mas que sigam em direcções diferentes.”

É uma posição que se alinha com muitas vozes na indústria que alertam para o excesso de reboots e remakes que não acrescentam nada de novo, especialmente quando as obras originais eram tão marcadamente reflexo do seu contexto histórico.

Um reencontro com cheiro a nostalgia… e legado duradouro

O painel de celebração contou com os cinco membros originais do elenco: Molly Ringwald, Emilio Estevez, Anthony Michael Hall, Judd Nelson e Ally Sheedy. Juntos, partilharam memórias dos bastidores, histórias com o lendário realizador e argumentista John Hughes, e refletiram sobre o impacto que o filme teve — e continua a ter — na cultura pop.

Rodado na Maine North High School, em Illinois, The Breakfast Club é ainda hoje um símbolo da adolescência dos anos 80. A história — cinco jovens arquétipos (o desportista, o cérebro, o criminoso, a princesa e a esquisita) obrigados a passar um sábado em detenção — toca temas universais como insegurança, pressão social e identidade, com uma honestidade que ainda ressoa junto de várias gerações.

Um clássico imortal… mas que reconhece as suas falhas

É precisamente por essa honestidade que The Breakfast Club continua a ser revisitado, discutido e até criticado. Ringwald, que já escreveu anteriormente sobre as limitações de alguns filmes de Hughes no que toca a representação, mostra aqui uma maturidade rara: a capacidade de amar uma obra que ajudou a construir… sem ignorar os seus limites.

Numa altura em que Hollywood se debate entre nostalgia e inovação, as palavras de Ringwald soam como um apelo à criatividade: em vez de reciclar o passado, que tal reinventá-lo?

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O impacto e a herança do filme

A premissa do filme é simples, mas inovadora para a época: cinco adolescentes, cada um representando um estereótipo escolar distinto, encontram-se numa detenção de sábado. O que começa como um conflito entre cliques sociais acaba por se transformar numa jornada de auto-descoberta e partilha de vulnerabilidades. No entanto, se a mensagem de que “os adolescentes são mais do que rótulos” parecia revolucionária nos anos 80, hoje essa ideia tornou-se um clichê cinematográfico.

Filmes recentes como Booksmart e Bottoms ainda bebem da fórmula estabelecida por Hughes, explorando a complexidade dos jovens para além das aparências. Contudo, à luz de quatro décadas de evolução cultural, algumas das representações de The Breakfast Club revelam-se datadas e até problemáticas.

O lado controverso do clássico

Nos últimos anos, o filme foi alvo de uma reavaliação crítica. Molly Ringwald, que interpretou Claire, escreveu em 2018 sobre a relação entre a sua personagem e John Bender (Judd Nelson), sugerindo que a dinâmica entre eles poderia ser vista como um caso de assédio, e não simples “flirt”. O filme também inclui momentos de homofobia casual e um certo tom reacionário que não envelheceu bem.

A jornada da personagem Allison (Ally Sheedy) é particularmente criticada: inicialmente apresentada como a “outsider” do grupo, acaba por ser “corrigida” através de uma transformação visual para agradar ao desportista Andrew (Emilio Estevez), sugerindo que a individualidade deve ser sacrificada em prol da conformidade social.

Um final demasiado otimista?

O desfecho do filme traz uma ironia inerente: o que começa como uma celebração dos “perdedores” termina com uma reconfiguração em que todos acabam por se encaixar num modelo tradicional de felicidade. A icónica cena final, ao som de Don’t You (Forget About Me) dos Simple Minds, encapsula esse tom ambíguo: é um final reconfortante ou uma rendição à estrutura convencional de Hollywood?

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Apesar das suas falhas, The Breakfast Club continua a ser um marco no cinema adolescente, uma janela para as angústias juvenis e um exemplo de como a cultura pop pode simultaneamente refletir e moldar as gerações futuras.

Numa entrevista ao New York Times nesse mesmo ano, Nicholson revelou que viu O Rei dos Gazeteiros (Ferris Bueller’s Day Off) e odiou cada momento do filme. Embora seja considerado por muitos como a melhor obra de John Hughes, o lendário ator detestou a experiência.

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“Esse filme fez-me sentir completamente irrelevante para tudo o que qualquer audiência poderia querer, e com 119 anos de idade”, confessou Nicholson. “Acreditem, toda a gente que estava a ver gostou. Mas eu saí da sala a pensar que os meus dias estavam contados. Estas pessoas estão a tentar matar-me.”

À primeira vista, pode parecer que Nicholson se referia à glorificação da juventude no filme. Afinal, O Rei dos Gazeteirosé uma ode à rebeldia adolescente, onde Ferris e os seus amigos se divertem por Chicago enquanto os adultos chatos tentam pôr-lhes travão. Para um espectador de meia-idade, o filme pode parecer uma provocação de 103 minutos. No entanto, a antipatia de Nicholson por este clássico dos anos 80 estava ligada a algo mais profundo: uma mudança preocupante que ele via em Hollywood.

Nicholson temia que Hollywood estivesse a perder criatividade

Durante a entrevista, Nicholson criticou a crescente “conglomeração” da indústria cinematográfica, referindo-se à forma como os grandes estúdios estavam a controlar cada vez mais a criatividade dos realizadores e argumentistas. Quando mencionou O Rei dos Gazeteiros, foi em resposta à pergunta: “Sente-se uma pessoa criativa presa numa era pouco criativa da indústria?”

Olhando para trás, pode parecer difícil simpatizar com a crítica de Nicholson, especialmente porque, atualmente, a falta de criatividade em Hollywood é mais evidente do que nunca. Com a proliferação de sequelas, remakes, reboots e filmes baseados em brinquedos, há quem deseje que regressasse a era em que O Rei dos Gazeteiros fosse visto como um sinal da falta de originalidade. Afinal, o filme foi uma história completamente nova e conseguiu 14 vezes o seu orçamento nas bilheteiras – algo que, do ponto de vista de 2024, parece quase um milagre.

No entanto, Nicholson era um ator cuja carreira atingiu o auge nos anos 70, uma década muitas vezes considerada a melhor de sempre em termos de criatividade cinematográfica. Enquanto os anos 70 eram marcados por dramas introspectivos que desafiavam os limites do cinema e do público, os anos 80 assistiram à ascensão dos blockbusters de grande público. Filmes seguros, de apelo universal, começaram a dominar a indústria.

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O Rei dos Gazeteiros não era um blockbuster no sentido tradicional, mas era uma comédia juvenil leve e divertida, cujo principal objetivo não era desafiar convenções, mas sim promover a ideia de que fazer o que quiseres, sem consequências, é sempre a melhor opção. Embora o arco narrativo de Cameron – o verdadeiro protagonista do filme – seja bem desenvolvido, a maior parte dos espetadores sempre viu O Rei dos Gazeteiros como uma fantasia de escapismo e desejo. Para um ator como Jack Nicholson, que brilhou em filmes densos e perturbadores como O Iluminado (The Shining) e Chinatown, não é difícil perceber porque não gostou da experiência… mas gostos não se discutem, pois não?

No final de 2023, o realizador Chris Columbus revelou a resposta que, segundo ele, tinha sido acordada entre ele e o argumentista John Hughes: Kate McCallister (Catherine O’Hara) era uma estilista de sucesso, enquanto Peter McCallister (John Heard) trabalhava em publicidade – apesar de Columbus não se lembrar exatamente do cargo.

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Mas agora, numa entrevista à Entertainment Weekly, Catherine O’Hara discorda dessa explicação! 

O que a mãe de Kevin fazia afinal?

Para a icónica atriz de Schitt’s Creek, Kate McCallister não era uma designer de moda bem-sucedida, mas sim uma mãe com aspirações criativas que não foram muito longe.

“Odeio discordar de Chris Columbus, mas discordo com isso”, disse O’Hara. “Vejo aqueles manequins como sinal de que ela era bem-sucedida em algo, mas ao mesmo tempo, tinha muitos filhos e queria ser uma grande dona de casa. Em algum momento, deve ter pensado ‘Vou fazer toda a roupa dos meus filhos!’. Mas essa ideia durou cerca de uma semana.” 

O Mistério do Trabalho de Peter McCallister Continua…

Apesar desta reviravolta na teoria sobre Kate, pelo menos já ficou confirmado que Peter McCallister não era um mafioso. Durante anos, uma das teorias mais populares dos fãs sugeria que o pai de Kevin estava envolvido no crime organizado, devido à sua grande riqueza e ao estilo de vida da família.

Chris Columbus, no entanto, rejeitou essa hipótese:

“Isso é ridículo. Ele não era um criminoso.” 

O Verdadeiro Destino da Mansão dos McCallister

Enquanto os fãs continuam a debater as profissões dos pais de Kevin, a famosa casa de Sozinho em Casa, localizada em Winnetka, Illinois, foi recentemente vendida por 5,25 milhões de dólares.

Os agentes imobiliários responsáveis afirmaram:

“Estamos encantados com a forma como esta casa capturou a atenção e o coração das pessoas, devido ao seu merecido lugar na história do cinema e às memórias natalinas intemporais que evoca.”

Ou seja, o legado de Kevin McCallister e sua família continua vivo, tanto no cinema quanto na vida real.

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Além de recordar Sozinho em Casa, Catherine O’Hara também está a divertir-se na publicidade!

A atriz surge ao lado de Willem Dafoe no anúncio da Michelob ULTRA para o Super Bowl, onde os dois tentam enganar verdadeiras estrelas do pickleball. Este reencontro é ainda mais especial, pois ambos voltarão a contracenar em Beetlejuice Beetlejuice, que estreia ainda este ano.

E para os fãs de The Last of Us, há uma grande novidade: O’Hara terá um papel na segunda temporada da série ao lado de Pedro Pascal!

Conclusão: Um Clássico Natalício Sempre Atual

Mais de 34 anos depois, Sozinho em Casa continua a ser um dos filmes natalícios mais adorados de sempre, e as suas pequenas curiosidades nunca deixam de surpreender. Agora, a grande questão é: quem tem razão? Columbus ou O’Hara?

E tu, qual teoria acreditas mais? 

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Um Encontro Surreal com Chevy Chase

Em entrevista à Vanity Fair, Columbus detalhou a sua experiência com Chevy Chase, que começou antes de o filme entrar em plena produção. Columbus foi contratado pelo argumentista John Hughes para dirigir o terceiro capítulo da franquia National Lampoon’s Vacation, mas o primeiro encontro com Chase foi tudo menos inspirador.

“Falei durante uns 30 minutos sobre como via o filme e o que queria fazer. Ele não disse nada. Depois de algum tempo, interrompeu-me e perguntou: ‘Espera aí, tu és o realizador?’,” contou Columbus. “E depois disse algo surreal: ‘Ah, pensei que eras um baterista.’ Ainda hoje, não consigo entender o que isso significava.”

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O comportamento de Chase continuou a ser problemático. Num jantar seguinte, onde também estava presente John Hughes, Columbus foi praticamente ignorado, enquanto Chase e Hughes conversavam sobre tudo menos “Christmas Vacation”.

“Passei duas horas naquela mesa e saí a pensar: ‘Não há maneira de fazer este filme com este tipo. Ele não está envolvido, está a tratar-me mal, e eu não preciso disto.’”

A Decisão de Sair

Depois dos encontros frustrantes, Columbus decidiu abandonar o projeto, mesmo estando desesperado por dirigir um filme na altura. Segundo o realizador, a sua prioridade era manter a integridade e evitar um ambiente tóxico no trabalho. Ele ligou a Hughes para comunicar a sua decisão, e o argumentista mostrou-se compreensivo.

Logo no fim de semana seguinte, Hughes enviou-lhe outro guião: “Home Alone”. Para Columbus, este projeto acabou por ser mais pessoal e gratificante, lançando-o para o estrelato com um dos maiores sucessos de bilheteira dos anos 90.

“Foi uma bênção disfarçada. ‘Home Alone’ era um guião melhor e mais pessoal, e pensei: ‘Posso realmente fazer algo incrível com isto, e não tenho de lidar com Chevy Chase.’”

O Sucesso de “Christmas Vacation”

Após a saída de Columbus, a direção de “Christmas Vacation” foi assumida por Jeremiah S. Chechik, e o filme foi lançado com sucesso em 1989. Apesar das dificuldades nos bastidores, a comédia tornou-se um clássico natalício, consolidando-se como uma das entradas mais queridas da franquia National Lampoon’s Vacation, com Chase e Beverly D’Angelo a reprisar os seus papéis.

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Chevy Chase e a Controvérsia

Chevy Chase tem um historial de conflitos no local de trabalho, com várias figuras da indústria a relatar experiências difíceis com o ator. Columbus é apenas um dos muitos profissionais que declararam publicamente não conseguir trabalhar com ele.

Um Capítulo de Reviravoltas

Se por um lado “Christmas Vacation” continuou o legado de National Lampoon’s, por outro, a decisão de Columbus de deixar o projeto acabou por abrir caminho para o nascimento de um verdadeiro clássico natalício: “Home Alone”. O filme não só marcou a carreira de Columbus, mas também definiu o Natal para gerações de espectadores.

Este episódio é um exemplo perfeito de como uma decisão difícil pode levar a oportunidades ainda maiores, transformando obstáculos em marcos inesquecíveis na história do cinema.

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Um Acidente Inesquecível

Em entrevista ao Entertainment Tonight, Stern, que interpretou o atrapalhado Marv, relembrou o incidente com Pesci:

“Joe é maravilhoso, eu adoro-o, mas ele é um tipo assustador. Estava muito imerso na personagem. No início, tentávamos ser realmente assustadores antes de os nossos personagens se tornarem uns idiotas.”

A cena em questão acontece quando Harry ameaça morder os dedos de Kevin (Culkin). Pesci, comprometido com a intensidade da sua performance, acabou por exagerar no gesto e mordeu Culkin de verdade.

“Ele mordeu mesmo o dedo, e lembro-me dele dizer, ‘Ah, desculpa, eu não queria fazer isso.’ Foi um dos raros momentos em que vi o Joe Pesci realmente assustado,” contou Stern com humor.

A Perspetiva de Macaulay Culkin

Culkin também falou sobre o incidente, revelando ao New York Times que ainda tem uma cicatriz do momento:

“Ele estava a tentar assustar-me. Pesci queria ser ameaçador. Mas, quando mordeu, a sua expressão mudou completamente — ele ficou aterrorizado porque tinha acabado de morder uma criança!”

Embora Pesci tenha preferido não comentar o episódio, o incidente é agora uma parte divertida do legado do filme, evidenciando o nível de imersão dos atores nas suas personagens.

O Clássico que Nunca Envelhece

Escrito e produzido por John Hughes, “Sozinho em Casa” segue Kevin, um menino de 8 anos que precisa defender a sua casa em Chicago de dois ladrões desastrados depois de ser acidentalmente deixado para trás pela família durante as férias de Natal em Paris.

Mesmo após quase 35 anos desde a sua estreia, o filme continua a encantar gerações. Questionado sobre o motivo do seu sucesso duradouro, Daniel Stern explicou:

“Tem muito coração. É engraçado e tem aquela magia natalícia. Mas, acima de tudo, é um filme sobre o empoderamento infantil. Toda a gente quer que o Kevin vença. É impossível não torcer por ele.”

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O Legado de “Sozinho em Casa”

Além das gargalhadas e momentos comoventes, o filme também deixou marcas no mundo real. A famosa casa onde a história decorre, localizada em Illinois, foi vendida recentemente por mais de 5 milhões de dólares, com Culkin a brincar que considerou comprá-la “só pela piada”.

Com histórias como a de Pesci e Culkin e um equilíbrio perfeito entre comédia e emoção, “Sozinho em Casa” mantém-se como um dos filmes mais queridos do Natal, provando que algumas histórias são intemporais.